Viñetas, Fotogramas y Páginas

All Star Superman

2011-05-26T00:38:00.006+02:00

Clark Kent: …Les diré cómo me has ayudado, y cómo has sofocado el motín… Lex, sé que no eres del todo malo…
Lex Luthor: Siempre me has caído bien, Kent. Eres un humano humilde, modesto y descoordinado. Eres todo lo que él no es. Pero sólo eres un arma más en mi guerra contra Superman. Mira con qué facilidad hago que uno no se pueda fiar de ti, ni de tu periódico ni del sistema penal. “…Y entonces, el inimitable Lex Luthor abrió el suelo y le estrechó la mano a un babuino disfrazado de Superman…”. Buenas, Leopold.
Leopold: {Raark}. {Hrrauuf}.

Editorial: Planeta DeAgostini
Guión: Grant Morrison
Dibujo: Frank Quitely
Nº de páginas: 304
PVP: 20 €

A estas alturas nadie puede dudar de que Grant Morrison es un guionista especial. Da igual si te entran arcadas cada vez que oyes su nombre o, al contrario, sientes una excitación inusual cuando estás a punto de leer alguna obra escrita por él. Hay que reconocer que se ha de ser especial para producir sentimientos tan extremos sin posibilidad de término medio. Yo, que caí en sus garras con sus New X-Men, no tenía ninguna duda en situarlo en el olimpo de los mejores: New X-Men, Animal Man, Doom Patrol, etc. son razones más que suficientes para ello. Sin embargo, nunca creí que ni siquiera él consiguiera que hiciera lo impensable: comprarme un cómic de Superman, y que me gustara. Personalmente, es un personaje que nunca me ha atraído. Los guionistas necesitan excusas y chorradas argumentales para impedir que el hijo favorito de Krypton no acabe la aventura de turno en tres o cuatro páginas. No es que no me emocionara cuando cogió el escudo del Capi y el Mjolnir en el JLA/Vengadores o que no disfrutara con su batalla contra Magedón, pero simplemente no es santo de mi devoción. Aunque puede que sea esta la razón de que me guste esta obra.

Lo que nos ofrece Morrison en su All-Star Superman es la historia de Superman, separada de la continuidad del personaje pero con constantes referencias a ella. Así, nos encontramos con todo lo que ha envuelto a Superman a lo largo de su historia (Smallville, Doomsday, la Zona Fantasma, Lex Luthor, Mundo Bizarro, etc.) pero como nunca antes lo habíamos visto; puede que esto sea, probablemente, lo que más moleste a los fans acérrimos del personaje. Lo que más me ha sorprendido a mí, en mi humilde opinión, es la habilidad con la que Morrison ha creado una impresionante obra de ciencia-ficción en la que nos habla de devoradores de soles, paradojas temporales, realidades dentro de realidades o las fuerzas primordiales del Universo con la excusa de contar una historia de Superman.

Como era de esperar, hay dos personajes destacados en la trama que brillan con luz propia. Kal-El, por supuesto, el ser superpoderoso con mentalidad de paleto de Kansas que confía más en las capacidades del ser humano que el propio ser humano y, sin lugar a dudas, el genio inigualable de Lex Luthor. Su presencia puede rastrearse a lo largo de toda la historia, pero es su histrionismo en las apariciones más directas lo que marca la diferencia. Porque hay que reconocer que alguien cuya inteligencia sólo puede compararse a la sensación de impotencia que el produce alguien como Superman sólo puede comportarse ante el resto del mundo como lo muestra Grant Morrison.

Los dibujos del tomo corren a cargo de un colaborador habitual de Morrison, Frank Quitely (entintado por Jamie Grant). Generador de opiniones tan dispares como las que inspira Morrison, sin ser de mi agrado y con el dudoso honor de ser uno de los que dibuja a las mujeres más feas del cómic (actual o anterior, da igual), aporta a la narración unos diseños de página elegantes y bastante clásicos, con pocas transgresiones ni rupturas de viñeta. Incluso voy a reconocer, sin que sirva de precedente, que encuentro guapa a Lois Lane en algunas viñetas…

La edición la completan unos artículos introductorios a cargo de Bob Schreck (Editor DC) y Mark Waid, que no conviene leer hasta haber acabado el cómic porque contienen “demasiada” información, breves biografías de los autores y un “Checklist” con las obras relacionadas con Superman publicadas por Planeta. Tanto si eres fan del Hombre de Acero como si no, ames u odies a Morrison y/o a Quitely, seas aficionado o no a la ciencia-ficción, estamos ante una obra auto-conclusiva, entretenida y altamente recomendable que no dejará indiferente a mucha gente, por no decir a todo el mundo.

En la boca del miedo

2010-12-10T02:09:00.004+01:00

Friki: Puedo ver...
John Trent: ¿Cómo?
Friki: He conseguido verte...
John Trent: Bueno... Eh... Me alegro mucho...

Título original: In The Mouth of Madness
Director: John Carpenter
Actores: Sam Neil, Julie Carmen, Jürgen Prochnow
Año: 1995
Duración: 95 minutos (aprox.)
Trailer: En V.O.

El brillante director de geniales obras como La Noche de Halloween, La Cosa, Rescate en Nueva York o Están Vivos puede hacer todas las bazofias que quiera a partir de los 90. Después de sus espectaculares aportaciones al cine, nadie le va a criticar por chorradas como Vampiros, Fantasmas de Marte o El Pueblo de los Malditos. Pero da igual, nuestro amado Carpenter se guardó una de sus obras maestras para la mitad de los 90; por esta razón, al parecer, ha sido injustamente olvidada. Así, sin demasiadas espectativas y conociendo el lamentable nivel de nuestro genio a partir de la década de los 90, comenzó el visionado de En la boca del miedo. El resultado no ha podido ser más perturbador: desde hace semanas estoy metido en una discusión conmigo mismo sobre la necesidad de ponerla al nivel de La Cosa o (¡¡¡Herejía!!!) situarla un peldaño por encima.

El comienzo no puede ser más prometedor: John Trent, nuestro protagonista (un Sam Neil espectacular en el inicio), es encerrado en una celda acolchada para, minutos después, contarle la historia de cómo acabó allí a un enviado del gobierno. Y es la historia en la que este investigador de fraudes y estafas es contratado para intentar descubrir la verdad sobre la desaparición de un escritor de noveluchas de terror, Sutter Cane, la que usa Carpenter para adentrarnos, poco a poco pero sin pausa, en un viaje por el horror. Pero no un "horror" de los que se ven ahora en los cines, donde sólo salen litros de pintura roja y miembros cercenados, no. Un horror de los de tentáculos deslizándose por las sombras, una sensación de que un primigenio nos observa desde más allá de los límites de la razón, algo que hurga en los recovecos de la mente hasta que sólo puedes gritar...

Efectivamente, los fans de la obra de Lovecraft pueden disfrutar gracias a Carpenter de la única aproximación cinematográfica a estos mundos que no da ganas de llorar ni vomitar, y lo consigue sin llegar a mencionar a Cthulhu. Utilizando todos los trucos y artimañas de los que dispone, Carpenter nos va introduciendo mediante sustos, ambientación opresiva, momentos oníricos perturbadores y maquillaje barato en una pesadilla de la que no podrás salir fácilmente. El paseo del hombre del hacha, la conducción nocturna por la carretera y, como no, el final han conseguido marcar mi memoria cinematográfica como las pruebas de sangre, la angustia o el final de La Cosa. Unos actores hábilmente dirigidos por Carpenter (con un papel testimonial para el gran Charlton Heston incluido), con un especialmente inquietante Jürgen Prochnow, y una historia que se podría comparar a la de El Rey Amarillo de Lovecraft (dirigida por David Lynch, por lo menos) completan esta maravilla de la que poco se ha hablado en la extensa lista de genialidades del director. Maravilla a la que sólo se le puede criticar (sin demasiada dureza, por supuesto) la apariencia de algunos de los entes que pupulan por ella y parecen ser descartes de los monigotes de La Cosa, aunque esto no sorprenderá a los conocedores de la "racanería" de Carpenter. ¿Se le puede pedir más a una joya cinematográfica? Aquí hay más: debates sobre la realidad, la locura, un manejo del tiempo soberbio (tanto de duración de la cinta como tiempo en la ficción) y la capacidad de soportar revisionados sin perder interés.

Hay que señalar otra injusticia que se ha hecho con esta POM. Al hablar de elipsis temporales en el cine, a la gente se le llena la boca con la escena de Conan con la rueda o De Niro en la estación de Érase una vez en América; sí, nada que objetoar, muy buenas pero... ¿Nadie menciona la que se produce en esta película cuando, digamos, "salen del pueblo"? En efecto, una nueva injusticia que sufre este gran director.

Poco más se puede añadir para no estropear la diversión que encierra este rompecabezas, sólo se necesita ocupar el sofá favorito de cada espectador, apagar las luces y prepararse para ver la (hasta ahora) última obra maestra de un genio. Si sólo pudiera volver a ver La Cosa para acabar de decidirme por la obra más maestra de este maestro...

Capitán América

2010-07-08T23:14:00.008+02:00

Capitán América: ¿Cuál es su agenda oculta esta vez (la de Nick Furia)?¿O crees que no he visto esas miradas significativas que os habeis echado?

Agente 13: No quiero hablar de eso. Vamos a concentrarnos en esto.
Capitán América: Sharon...
Agente 13: Vale. Quiere que averigüe si has matado a Cráneo.
Capitán América: ¿Qué?
Agente 13: Lo sé. Le dije que ni hablar. No importa lo que te esté pasando ahora. No eres un asesino, y nunca lo serás.

Editorial: Panini
Guión: Ed Brubaker
Dibujos: Steve Epting, Michael Lark
Serie Regular, también en tomos recopilatorios.

No puedo negar que lo primero que me atrajo de esta colección fue el saber que iban a resucitar a Bucky. En realidad, que Ed Brubaker iba a hacerlo. Así que no pude resistirlo y quise ver lo que sin duda sería uno de los momentos más ridículos del mundo del cómic. Sin embargo, la resurreción del eterno compañero del Capitán América fue mucho menos ridícula que otras que nos hemos tenido que tragar (la de Coloso, las últimas de DC, algunas de Magneto...) y, cuando me quise dar cuenta ya estaba enganchado a las sutiles tramas que Brubaker tejía en la colección. La muerte del Capitán América ni fue una sorpresa ni iba a ser para siempre, y menos en una colección que para entonces ya parecía la autopista de la resurrección (Bucky, Cráneo Rojo, el Dr. Fausto, etc.), pero la verdad es que hizo la colección aún más interesante sin su protagonista.

Para su propia sorpresa y la de muchos otros, Brubaker consiguió dotar de una entidad y dignidad suficientes a los secundarios que poblaban la serie que hacía que valiese la pena aún sin Steve Rogers. La Agente 13, Bucky, Calavera, Halcón, el Dr. Fausto e incluso Tony Stark resultaban interesantes (este último mucho más que en todo lo que duró la absurda Civil War, por cierto) e hicieron de estos números algo único, bastante alejado de la típica historia de superhéroes y centrándose más en el espionaje, la política y los engaños antes que en grandes combates entre personajes disfrazados. Y todo ello sin recurrir demasiado al método "me-cago-en-la-continuidad" del que suele abusar el guionista. A los lápices, un soberbio Steve Epting asombraba a propios y extraños con sus viñetas oscuras y perfectamente adecuadas para las historias intrigantes de Brubaker. Sustituido ocasionalmente por profesionales competentes, ha dejado grandes escenas para el público: los combates en las alcantarillas contra IMA (perdón, AID), el Soldado de Invierno, el sutil rediseño de Calavera...

Y así ha ido esta notable colección, entre el plan maestro de Cráneo Rojo, el pasado de Bucky como Soldado de Invierno, la muerte del Capi y su sustitución. Entre tantas historias buenas, era inevitable que el estilo "barriobajero" de Brubaker saliera más tarde o más temprano... Y así fue, en la saga que nos narra la "resurrección" de Steve Rogers (publicada en España en un único tomo al margen de la serie regular con el sutil título de Capitán América: Renacimiento). Dibujado por un Bryan Hitch con prisas o en horas bajas (no lo sé), Brubaker nos sumerge en una tontería tras otra para acabar mostrándonos el lamentable plan final de Cráneo Rojo, con un montón de mini-MODOKs de regalo. Lo mejor es ignorar esta parte de la obra, ya que se sabía que Rogers tenía que resucitar.

Sin saber cómo continuará Brubaker con dos Capitanes América (oficiales) en la colección ni si el lamentable tomo de Renacimiento indica que se le han acabado las ideas o era una obligación impuesta por la editorial, sólo puedo quitarme el sombrero ante lo que hizo durante cerca de 50 números con la colección del Capitán América, olvidar Renacimiento y rezar para que Brubaker siga teniendo suerte con los guiones de la colección...

Los Muertos Vivientes

2010-06-18T23:55:00.009+02:00

Rick: Mataría a todos y cada uno de los de aquí si pensara que eso te mantendría a salvo. Conozco a esta gente... pero sé que sería capaz de hacer ese sacrificio. A veces me descubro puntuándolos... Mirándolos y pensando quién me gusta más y a quién necesito más... por si ocurriera algo y tuviera que elegir. He visto morir a tantos que ya no siento apego por ellos... y podría matar a cualquiera en cualquier momento por el motivo adecuado.

Editorial: Planeta DeAgostini

Guión: Robert Kirkman

Dibujo: Tony Moore, Charlie Adlard

PVP: 7,5 € por tomo.

En glorioso blanco y negro, Kirkman lleva la batuta de este crudo drama humano enmarcado en un apocalipsis zombie. Con unos dibujos simples, sucios y carentes de fondo en viñetas con un personaje o dos, nos vemos envuelto en las peripecias de Rick y la gente con la que se encuentra para sobrevivir a una situación límite. Para no caer en lo obvio, el gore y las escenas escabrosas están bastante limitadas a lo largo de la obra (de momento) y en muchos casos el estremecimiento que sentimos al leer proviene más de las actuaciones de los seres vivos que de los muertos que caminan.

Sin duda, éste es el gran acierto de Kirkman. Más allá del resurgir de la moda zombie en la que estamos envueltos, ha decidido emular a los grandes de la ciencia-ficción y de la temática zombie para hablar de la sociedad y no de monstruos imaginarios. Después de todo, ¿Para qué preocuparse de los zombies atontados de fuera si estás encerrado junto a presos que no conoces o bajo los cuidados de cierto gobernador de cierta ciudad? Pero también es cierto que ni todos los personajes tópicos que aparecen a lo largo de la historia serían capaces de mantener el interés de la gente durante tanto tiempo, por mucho que se encariñen de alguno, si las cosas no permanecieran en constante movimiento. Y la verdad es que con tener claro que no hay ningún personaje intocable (excepto, supongo, el protagonista) y una mecánica cíclica de situación-resolución, el guionista ha mantenido enganchado a su público durante 60 entregas, y las que quedan.

Las declaraciones de Kirkman han sido claras: "Mientras saque dinero, no voy a parar", básicamente. Y mientras la serie siga siendo una montaña rusa de subidas y bajadas mínimamente inteligentes, es de suponer que el público seguirá respondiendo. Así que va a depender del pulso narrativo de su autor para mantener la serie; un pulso que, 60 números después, parece seguir firme y sin señales de cansancio. La serie ha llamado tanto la atención que ya se están dando los últimos retoques a su paso a la televisión, idea que a más de un fan se le pasó por la cabeza y , si consiguen no desviarse demasiado de la línea trazada por Robert Kirkman, podría ser todo un éxito.

Te sentirás asustado, asqueado, intrigado, apenado e incluso enfadado mientras asistes al desfile de bajeza humana que se propone a lo largo de la serie. Cuando hayas olvidado que los muertos vivientes siguen ahí, aparecerán desde la esquina de alguna viñeta para asustar a alguien y, si pueden, comérselo. Una interesante propuesta que deberías probar para decidir si sigues el camino o no, pero cuya calidad no puede ser ignorada.

Robert Downey Jr. lo ha vuelto a hacer (o Iron Man 2)

2010-05-07T21:19:00.004+02:00

Así es. Da igual que lo rodeen de estrellas contrastadas como Mickey Rourke o de promesas como Sam Rockwell. Ni siquiera importa demasiado que aparezca en algunas escenas la Scarlett Johansson para calentar al personal. Lo único que importa es que Robert Downey Jr. vuelve a interpretar a Tony Stark, comiéndose la pantalla en cada escena en que aparece. Incluso, si soy sincero, las escenas de batallitas entre armaduras y Iron Man molestan y quieres que acaben ya para volver a ver a Robert Downey Jr. interpretarse a sí mismo. Perdón, interpretar a Tony Stark...

Espectáculo palomitero previsible, lleno de efectos especiales y explosiones por todas partes. Nadie debería salir decepcionado de la sala sabiendo lo que va a ver. Entre sobradas de Stark (destacando, entre muchas, el momento en que... "descubre" un nuevo elemento...), chulerías de Mickey Rourke y vestidos que dificultan la respiración a Scarlett Johansson vemos que la promesa de hacer la película de Los Vengadores avanza poco a poco mediante apariciones de Samuel L. Jackson en su papel de Nick Furia. Encima, en mitad de una fiesta, descubrimos uno de los misterios más insólitos sobre la armadura Iron Man momentos antes de asistir a un "tiro al plato" muy peculiar.

La historia, al igual que en la anterior entrega, es tan simple como uno se podría esperar aunque puede que en esta haya más escenas cómicas que en la predecesora. Sin embargo, las salidas de Tony Stark y la actuación de Downey Jr. elevan el producto a algo digno de verse. Ideal para ir al cine a pasar un rato entretenido, alejado de las últimas chorradas "en 3D" y los culebrones, sin pensar demasiado. Es más, he tenido la oportunidad de ver la cartelera y podría afirmar que es lo mejor que hay ahora mismo. Una buena opción si se quiere pasar un rato entretenido tratando de olvidarse de los problemas, y recomiendo encarecidamente quedarse hasta después de los créditos finales para ver la que se avecina...

La semilla del Diablo

2010-04-30T00:56:00.014+02:00

Roman Castevet: Creo que estamos ofendiendo a Rosemary...
Rosemary Woodhouse: No me he ofendido, de verdad.
Roman Castevet: No eres una chica religiosa, querida. ¿Verdad que no?
Rosemary Woodhouse: Crecí con educación católica... ahora... no lo sé...

Título original: Rosemary's baby
Director: Roman Polanski
Actores: Mia Farrow, John Cassavetes, Ruth Gordon, Sidney Blackmer
Año: 1968
Duración: 136 minutos (aprox.)
Trailer: http://www.youtube.com/watch?v=otPyEsObI1M

Roman Polanski a parte de ser considerado un criminal, una víctima del tristemente célebre Charles Manson y el autor de tedios del calibre de El Pianista también es considerado por muchos como un gran director. Y buena muestra de ello es esta obra que es calificada por muchos como "la mejor película de terror de la historia", calificativo bastante exagerado en mi humilde opinión debido a que yo ni siquiera la clasificaría "de terror". El Bebé de Rosemary (no sé quién fue el genio que al traducirla al castellano la bautizó como La Semilla del Diablo, pero se cubrió de gloria) es una película de intriga y desasosiego que podría haber filmado el mismísimo Hitchcock, de las que hoy en día ya no podemos disfrutar.

La historia empieza como cualquier culebrón que nos podamos imaginar: una joven pareja se muda a un afamado edificio con unos peculiares y en ocasiones cansinos vecinos, donde se dedican a lo que se debería dedicar cualquier pareja. Y es durante este inicio donde encontramos el único fallo que se le podría criticar a la película, un comienzo lento y tranquilo. Nuestra pareja de culebrón decide entonces tener un hijo y, tras una extraña pesadilla que no impide que el hombre ejerza su principal función vital, la joven mujer anuncia que está embarazada. Y es entonces cuando una serie de extrañas coincidencias se juntan con las revueltas hormonas de la embarazada, originando extraños pensamientos en la joven.

Y es aquí donde la habilidad de sugerir en vez de mostrar, de que el espectador sospeche como Rosemary de algo horroroso pero a la vez dude de si es fruto de alguna especie de histeria pre-parto, lo que convierte a esta película en algo especial. Ese postre "con sabor a yeso", esa habitación en la que sólo vemos el humo del cigarro de Castevet, el armario con un mueble tapándolo, la cara taimada del actor John Cassavetes... Todo va formando una atmósfera extraña, asfixiante por parte de los vecinos que asedian a la joven pareja, que culmina con la inenarrable escena final (criticada por algunos, pero que a mí me parece de quitarse el sombrero) donde descubriremos sin lugar a dudas si era locura lo que atenazaba a Rosemary o era algo más oscuro. Mientras asimilamos la verdad, la inquietante canción de cuna que escuchábamos al principio vuelve a nuestros oídos para no abandonarnos más. Con una Mia Farrow espectacular, con degradación física incluida, Polanski supo manejar al plantel de actores para que dieran lo mejor de sí. Desde los irritantes vecinos hasta el actor obsesionado con su trabajo, podemos encontrar unas muy buenas actuaciones que dirigidas por cualquier otro podrían haber dado, sin muchos problemas, auténtica vergüenza ajena.

Deseando haber aclarado que no es una película "de terror" (sobretodo a esos jóvenes obsesionados con las mierdas pseudo-gore que nos invaden últimamente), espero que cualquiera que se acerque a este gran clásico lo disfrute tanto como yo y, como dicen en el trailer, recen por el bebé de Rosemary...

El Juego de Ender, de Orson Scott Card

2010-01-26T02:20:00.004+01:00

Después de escuchar maravillas de este libro, una edición barata en el fnac y ciertas circunstancias inevitables (como largos desplazamientos en tren y una Venecia lluviosa), acabé leyéndomelo en pocos días para acabar con una sensación típica de "me esperaba más".

Rodeado de un ambiente de ciencia ficción que huele a lo visto muchas veces en series como Más Allá del Límite, el libro nos describe la creación de un arma viviente, el comandante perfecto, el destinado a liberar al mundo de la amenaza de una futura invasión extraterrestre: Ender. Reclutado a los seis años para prepararse para la guerra, en el libro se nos va describiendo su adiestramiento y las tácticas que emplean sus instructores para asegurar su correcta formación. Uno de los pocos aciertos del libro es la sensación de agobio que genera en el protagonista los cada vez más bestiales sesiones de entrenamiento, sensación que llega a transmitirse al lector en los momentos finales. Y escribo "de los pocos aciertos" porque a medida que avanza la trama el final se hace más previsible y la moraleja final se intuye desde mucho antes; como si, una vez más, nos encontráramos ante un capítulo de Más Allá del Límite.

Originalmente fue un relato corto que tuvo bastante aceptación, y posibilitó que el autor escribiera una novela basado en el mismo. El éxito del libro fue tal que ahora parece ser que hay una saga completa entre secuelas de El Juego de Ender, otros personajes de la novela e incluso la misma historia vista desde el punto de vista de otro personaje. Puede que en ella se profundice más en aspectos que se quedan un poco en el aire en el libro, como los hermanos de Ender y sus "travesuras" o la inevitable continuación del final de El Juego de Ender, pero sinceramente no es que arda en deseos de continuar con la historia...

Una lectura amena con la que pasar unas noches de lectura entretenido, pero ni mucho menos una obra maestra dentro de la ciencia ficción como algunos parecen pensar.

Casino

2010-01-26T01:08:00.004+01:00

Ace Rothstein: No importa lo grande que sea un tío, Nicky lo tumbará. Si le pegas a Nicky con los puños, él volverá con un bate. Si le cortas con un cuchillo, volverá con una pistola. Y si le disparas con una pistola, es mejor que le mates, porque él seguirá volviendo una y otra vez hasta que uno de los dos esté muerto.

Título original: Casino

Director: Martin Scorsese

Actores: Robert DeNiro, Sharon Stone, Joe Pesci, James Woods

Año: 1995

Duración: 182 minutos (aproximadamente)

Trailer: http://www.youtube.com/watch?v=t09aGcMjnWM

Hace tiempo que intentaba elegir entre reseñar esta obra maestra de Scorsese o su antecesora, Uno de los Nuestros. Me he decidido y no sabría explicar muy bien por qué: la ausencia de Ray Liotta, la presencia de Sharon Stone, el papel protagonista de DeNiro, la banda sonora... En esta ocasión, la historia gira en torno al control de los casinos de Las Vegas por parte de mafiosos. El personaje de De Niro es enviado para dirigir uno de los casinos y hacerles ganar más dinero, mientras su vida se ve inevitablemente atada a la del personaje de Sharon Stone y al "granujilla" de Joe Pesci.

Parece como si Scorsese llevara un paso más allá aquello que nos sedujo en Uno de los Nuestros: los planos y las secuencias rallan la perfección en muchos momentos (atención a los créditos iniciales), De Niro parece el amo del mundo, Pesci resulta más psicópata que en su papel anterior (si bien puede considerarse una "continuación"), la música se encuentra omnipresente a lo largo de la historia y Sharon Stone realiza, posiblemente, la mejor actuación de su carrera. En su momento algunos llegaron a criticarle por considerarla una especie de secuela de Uno de los Nuestros, un intento de aprovecharse de su éxito anterior tan de moda en nuestros días. Sin embargo, puede comprobarse sin demasiadas complicaciones que sólo se parecen en las voces en off que nos acompañan a través de la historia y algunos actores (bueno, y Joe Pesci que interpreta papeles similares), y que en realidad es el cariño que siente Scorsese por estos temas turbios lo que le lleva a parir esta clase de P.O.Ms.

Con algunos momentos cómicos bastante acertados (como el aterrizaje de cierto avión) y apariciones sorpresa del mítico James Woods, los dos protagonistas van arrojando desde la voz en off sus valoraciones sobre lo que está pasando (sí, DeNiro y Pesci haciendo de comentaristas y no es un extra del DVD) hasta llegar al (¿Inevitable?) final.

Siempre es un buen momento para aposentarse en el sofá, preparar una buena bebida y pasar unas horas fascinado por la magia de Scorsese con el volumen bien alto y la vista despejada, no sea que te pierdas alguna secuencia magistral de Martin o una antológica interpretación de DeNiro en los buenos tiempos, y así de paso vamos olvidando lo de que los 90 no tienen obras maestras...

Otra vuelta de tuerca, de Henry James

2009-10-06T04:02:00.002+02:00

Hace poco tiempo que he acabado de leer esta historia generalmente clasificada como "de fantasmas". Parece ser que esta corta historia en la que una institutriz llega a una apartada casa de campo para hacerse cargo de dos niños huérfanos es considerada, por algunos, el precursor de la "novela psicológica".

En un principio, lo único que puedes apreciar es que es literatura inglesa de la dura. Sin embargo, si puedes prestar un mínimo de atención para no perderte con tanta expresión rimbombante y descripciones farragosas (que no debería ser complicado ya que estás leyendo), y te olvidas también del terror embotellado al que nos hemos acostumbrado actualmente, llegarás al final de la historia y habrás cambiado varias veces de opinión sobre los niños, la institutriz y los fantasmas que rondan por el relato.

Si no has caído en el juego de Henry James, supongo que creerás que has perdido algunas horas de tu vida ante un tostón de este calibre, pero si eres afortunado no tendrás muy claro si acabas de leer las confesiones de una histérica en plena menstruación, las maquinaciones de un par de niños diabólicos o los paseos de unos fantasmas con ganas de asustar. Y, luego, puede que recuerdes el hasta entonces insignificante inicio de la historia en el que se detalla información importante como que la protagonista estaba enamorada o el origen del desasosiego que produce el relato en el que lo da a conocer, y pasarán por tu mente algunas de las escenas que comparten la institutriz y el niño; entonces, y sólo entonces, empezarás a inquietarte de verdad porque sabrás que tienes que volver a leer la historia para intentar aclarar todo lo que empiezas a imaginarte.

La verdad es que he leído libros que me han gustado, libros que me han gustado mucho y he pensado que alguna vez los volveré a leer y también libros que no he acabado o, si los he acabado, me he cagado después en el que lo escribió. Lo que no había encontrado hasta ahora es un libro que me obliga a volverlo a leer...

Malditos Bastardos (o Maldito Tarantino)

2009-10-05T02:40:00.004+02:00

Tras sorprender al mundo con Reservoir Dogs y Pulp Fiction, la habilidad de Tarantino pareció menguar con Jackie Brown, Kill Bill y Death Proof hasta el punto de que su soberbio manejo de la escena y la música no podía enmascarar sus guiones sólo aptos para frikis (en sus últimos trabajos). Aún así, me aventuré al cine para comprobar el último desfase del señor Tarantino...

Confieso que me ha parecido la más divertida de sus últimas sobradas, y lo mejor es que es la menos ridícula. La particular visión del director sobre la segunda guerra mundial le permite mostrarnos toda clase de salvajadas que hace un comando de judíos (los Bastardos que dan título a la película) sueltos por la Francia ocupada y a la vez mostrarnos la venganza que ejecuta la única superviviente de una familia judía. Impresionante labor interpretativa de Brad Pitt, sacando mentón como si fuera el mítico Lee Marvin, que parece de vuelta de todo a lo largo de la película al que sólo le hace sombra la genial labor de un Christoph Waltz, que encarna a uno de los nazis más cabrones que ha conseguido dar el Séptimo Arte.

Por fin, parece que Tarantino ha descubierto que sólo puede homenajear dignamente a Leone plagiando la música de su socio Morricone. Con esto ha conseguido hacer una cantidad de guiños impresionantes al cine bélico clásico (Lee Marvin, comandos en territorio enemigo, el "oficial y caballero" inglés, los nazis "rastreadores", el soldado obsesionado con matar peces gordos, las complicaciones de las misiones en un bar/taberna, agentes dobles...), siempre bajo la mirada bizarra de Tarantino pero con dignidad. Por una vez, el cine de opuestos que planteaba últimamente el señor T. funciona a la perfección. Tras dos horas y media de risas y aplausos con cada nazi muerto por los Bastardos, nos traslada al cine nazi donde se rien y aplauden por cada americano muerto por el übermench protagonista de la película que estrenan. Pero antes de que podamos sentirnos identificados con el público nazi, se desata el caos para que sigamos riendo y aplaudiendo ante más muertos nazis. Me quito el sombrero ante Tarantino, cosa que no hacía desde Pulp Fiction.

El resultado es una gamberrada de dos horas y media con la que disfrutar de un Brad Pitt desfasado, un Christoph Waltz maligno y unos cazadores de cabelleras nazis en territorio enemigo. Y, claro está, el típico complot para matar a Hitler...

No es HEAT 2 (o Enemigos Públicos)

2009-09-09T22:32:00.008+02:00

El director Michael Mann, un criminal muy buscado, un agente de la ley obsesionado con cazarlo y dos actores afamados; lo primero que viene a la mente es que el espectacular director de HEAT va a repetir el éxito con el que reunió a DeNiro y Pacino, pero tras los primeros veinte minutos el espectador se dará cuenta de que estaba bastante equivocado...

En esta ocasión el director no nos presenta el duelo épico y a todos los niveles que nos ofreció en HEAT sino una especie de documental sobre las acciones de Dillinger (creo que los expertos lo llaman "biopic") y un retrato de la sociedad americana de la depresión, donde un personaje como él sólo podría ser tratado como una celebridad. Con un desarrollo de personajes nulo y haciendo gala del siempre polémico estilo de rodar con la cámara en mano, un par de tiroteos espectaculares y ametralladoras que parecen escupir cañonazos nos recuerdan quién es el director. Por cierto, no os asusteis si en algún momento parece que esteis ante un videojuego ya que el señor Mann ha decidido utilizar la cámara digital para rodar este film veraniego.

Depp aprovecha este papel para volver a demostrar a los incrédulos que es un actor y no un especialista en sobreactuación, mientras que Bale se limita a lucir su famosa cara de pared en un papel que tampoco le permite hacer más. Una historia de amor poco creible por culpa de la actriz que hace de novia de Dillinger culmina con la ahorrable y casi ridícula escena final, pero hasta eso se hace más llevadero ya que antes aparece, y por sorpresa, uno de los mejores de la película: ¡¿Clark Gable?!

El resultado es más pobre de lo que se esperaba, tal vez debido a las espectativas con las que se pensaba en el título. Aún así, esta reunión veraniega de dos actores punteros es de lo mejor que se puede ver estos días en el cine (algo no muy difícil, visto lo que hay en cartelera)...

La Cruz de Hierro

2009-06-22T12:39:00.010+02:00

Stranszky: ¡Le enseñaré cómo lucha un oficial prusiano!
Steiner: Y yo le enseñaré... dónde crecen las Cruces de Hierro

Título original: Cross of Iron
Director: Sam Peckinpah
Actores: James Coburn, James Mason, Maximilian Schnell, David Warner
Año: 1977
Duración: 119 minutos

Sam Peckinpah. Alcohólico, con problemas, pasado de moda, sin presupuesto y de capa caída. Creador de obras maestras como Grupo Salvaje y de catástrofes infumables como Los Aristócratas del Crimen cuando ya no tenía que demostrar nada a nadie se embarca en esta producción de capital europeo. Trabajando sobre un género que no había tratado anteriormente, el señor Peckinpah nos dejó su última obra maestra.

Tras unos créditos iniciales impresionantes, en los que pasa por nuestra pantalla el auge y primeras derrotas del nazismo mediante fotografías reales, nos encontramos en medio de la debacle del ejército alemán en Rusia. Allí, una unidad de reconocimiento dirigida por el Cabo Steiner trata de sobrevivir a las exigencias del frente y, sorprendentemente, no vemos a ningún nazi cabezacuadrada devoraniños entre sus componentes. Allí, en medio de ninguna parte donde nadie cree en la Victoria Final pero sí en la Inevitable Derrota, llega el oficial Stranszky. Stranszky, de origen prusiano y destinado voluntariamente allí, llega en busca de la más alta condecoración del ejército alemán: la Cruz de Hierro (y, por cierto, también se caga unas cuantas veces en el führer). El enfrentamiento entre ambos será constante y el centro sobre el que gire la película.

Con un presupuesto escaso, se nos enviará a un frente en el que (por fin) la lluvia de morteros es constante y no existe el honor ni la gloria, sólo la supervivencia. Nos sorprenderá ver que, al menos en esta ocasión, el ejército alemán no está compuesto únicamente por subnormales asesina-judíos y que encima nos caen bien. Con un poco de suerte, llegará un momento en el que gritaremos "¡Steiner!¡Demarcación!" como el resto de la unidad de reconocimiento. Incluso puede que acabemos pensando que algo extraño hay en la mayoría de películas americanas sobre la segunda guerra mundial...

Las memorables interpretaciones de los protagonistas, el tratamiento a la violencia habitual en Peckinpah y la novedad de ver el punto de vista alemán (más allá de los monstruos tontos que suelen ser en las películas de este tipo) consiguen que el espectador esté atento, identificándose con la unidad y acompañándola a lo largo del frente desmoronado (como si de una novela de Sven Hassel se tratase) hasta llegar al gran final que es de esos en los que no puedes evitar levantarte del sofá y aplaudir, para después brindar a la salud de ese gran director que parió algo así.

Amantes del cine en general, seguidores del cine bélico de la segunda guerra mundial, a los que les guste el cine que muestre el sinsentido de la guerra y los que pensaban que lo único bueno de Sam eran sus westerns, pueden acercarse a esta pequeña joya que pocas veces se menciona como una de las grandes.

El hombre de las pistolas de oro

2009-06-15T19:20:00.011+02:00

Blaisdell: Primero, no les gustaré ni les caeré bien. Después, una vez os haya librado de la banda de McQuown, me considerareis una buena persona y un amigo. Pero cuando haya paz, ocurrirá algo o yo haré algo, entonces pensareis que tengo demasiado poder y me echareis de aquí sin que os importe lo que haya hecho por vosotros...

Título original: Warlock
Director: Edward Dmytryk
Actores: Herny Fonda, Richard Widmark, Anthony Quinn, DeForrest Kelley, Dorothy Malone, Dolores Michaels
Año: 1959
Duración: 116 minutos (aproximadamente)

Debo confesar que he vivido engañado. Como aficionado al género del western, he oido cómo la gente moja los calzoncillos hablando de los westerns crepusculares clásicos de los directores John Ford, Sam Peckinpah o Clint Eastwood, pero nunca había oido nada sobre esta película. ¿Será por la pésima labor de traducción dl título, que nos llevará a confundirlo con un malo de James Bond?¿Será que el nombre del director, marcado por la célebre caza de brujas Hollywoodienses , no suena tan bien como el de los anteriormente citados? Bueno, no importa. El caso es que vi esta película en las estanterías del fnac y la compré, pensando que un película de vaqueros en la que participaban Henry Fonda, Richard Widmark y Anthony Quinn me entretendría durante un buen rato...

El comienzo no podía ser más típico: un pueblo perdido americano que sufre el acoso de una banda de vaqueros decide contratar a un profesional para que les libre de ellos. ¿Pero qué pasa aquí? ¡Richard Widmark es un componente de la banda de malos!¿Henry Fonda es un pistolero a sueldo al que sólo le importa el dinero? Y Anthony Quinn... ¿¡Anthony Quinn está cojo!? Y lo que pensaba que sería un esquema clásico de "pistolero llegaa pueblo con problemas y se carga a los malos entre los aplausos de los ciudadanos" se convierte en algo que pocas veces he visto en un western. Ley, orden, justicia, venganza... Todo enfrentado y discutido, puesto a prueba por los personaje que en muchas ocasiones no son lo que parecen. El papel del héroe y el villano no es algo definido en esta obra, sino más bien una etiqueta que cambia con el paso del tiempo.

Y entre gracias del personaje de Quinn, esperando a cada momento que el Enterprise teleporte al gran DeForest Kelley y varios tiroteos, llego al impresionante final en que no puedo evitar postrarme ante el gran talento de Herny Fonda y acordarme de William Munny en el tramo final de Sin Perdón, y volver a preguntarme porqué no sabía de la existencia de este peliculón...

Dirigida con buen pulso por Dmytryk, la película nos hará pasar de momentos cotidianos a tiroteos sin descanso mientras los personajes principales (y algunos secundarios) evolucionan de manera impecable mientras debaten sobre la justicia y la civilización con hechos, no palabras. Del trío de estrellas que protagonizan este western, debo destacar el buen hacer de Fonda sobre el resto pero sólo por preferencias personales, porque tanto Anthony Quinn como Widmark consiguen hacerse con los personajes como si fueran suyos, el primero con su cara de gracioso cabrón y el otro con esa cara de circunstancias que en esta ocasión le va como anillo al dedo.

Una buena película que creo que ha sido lo suficientemente ignorada como para que ésta sea una buena ocasión para ser redescubierta. Sólo por los tres protagonistas ya lo vale.

Star Trek (o relanzando la franquicia)

2009-05-23T22:05:00.006+02:00

La décima película de Star Trek (Némesis) no había obtenido los resultados esperados, lo que parecía sentenciar a esta longeva serie de los cines. Ahora, el señor J.J. Abrams lo vuelve a intentar con esta película, vendida como una precuela. Parece que al exitoso creador de Perdidos se le ocurrió que, si tenía que salvar el universo trekie en su vertiente cinematográfica, había que retomar los personajes que lo hicieron famoso...

Así que ahora tenemos a los protagonistas más famosos de todas las series de Star Trek, los de la serie original, de vuelta a la academia de la Federación: el rebelde Kirk (que aunque el actor lo intenta, no es Satner ni por asomo...), el señor Spock (ahora este actor será recordado por ser Spock Junior y no Sylar), Ujura (mucho más espectacular que en cualquier capítulo de la serie original, seguro) y el resto de entrañables tripulantes de la Enterprise (incluso aquel mítico capitán que años después estará confinado a una caja y que sólo podrá hablar mediante pitidos, provocando que el señor Spock desobedezca a toda la cadena de mando).

La película, sinceramente, es una digna sucesora del legado de Star Trek: batallas espaciales (¡con sonido, claro!), planes locos de Kirk que salvan el día y expulsión del núcleo para salvarse de la fuerza de atracción de un agujero negro/rayo tractor/cosa que absorbe, todo ello enmarcado en una historia de ciencia ficción simplona pero efectiva. Seguramente, no será la última aventura de la Enterprise "juvenil"... Y éste es el único punto negativo que se me ocurriría señalarle a Abrams, porque podría haberlo intentado con una nueva tripulación o una precuela de verdad, pero digamos que esta película no es más que una excusa para el relanzamiento de la franquicia, esperando la oportunidad de recuperar el filón de la saga y vendernos más entregas de Star Trek Junior. Podrán ser buenas o malas, claro, pero esa sensación de que están violando a unos personajes entrañables no me la podrán quitar.

Una película llena de comedia, luchas espaciales y un guión tonto que nos permitirá reencontrarnos con nuestros queridos tripulantes de la USS Enterprise, pero actualizados hasta parecer quinceañeros idiotizados con la intención de seguir haciendo películas aunque tengan que cargarse las 10 anteriores sin ninguna clase de miramiento, como cierto planeta que no diré para no arruinar la "sorpresa"...

Nuevos X-Men

2009-04-24T20:28:00.006+02:00

Magneto: No seré juzgado por niños. ¡Dadme la muerte, hacedme inmortal!

Editorial: Panini
Guión: Grant Morrison
Dibujo: Frank Quitely, Phil Giménez, Igor Kordey, Ethan Van Sciver, John Paul León

Números: New X-Men 114 al 154 USA.

Las colecciones mutantes llevaban mucho tiempo sin levantar cabeza: sobreexplotación, historias cada vez más absurdas (incluso ridículas) y, lo peor de todo, una última saga a cargo de... ¡Scott Lobdell! Pero como ya decía nuestro viejo amigo Clint Barton, "cuando se ha llegado tan abajo, sólo se puede subir". Y así fue. Llegó a la colección el señor Grant Morrison con carta blanca (no sabría decir hasta que punto) y nada volvió a ser lo mismo...

Por primera vez en mucho tiempo (algunos afirman que desde el principio de la etapa Claremont), los lectores se encontraron con historias que no los trataban como a deficientes mentales: Cíclope, tras una horrible posesión, se encontraba más dubitativo que nunca (aunque a la hora de liderar el equipo se pusiera en modo automático...), Lobezno volvía a ser el típico saco de boxeo de antaño y La Bestia por fin dejaba el laboratorio para convertirse en un héroe de nuevo. El profesor Xavier, cansado de que usaran su mente para amenazar a la humanidad, se enfunda una pistola con un objetivo determinado: ¿Disparar al primero que le amenace, como cualquier héroe de los 90? ¡No! Pegarse un tiro a la cabeza ante el mínimo indicio de que vayan a controlarle la mente.

La Escuela de Xavier empezó a ser una escuela de verdad (cosa que no ocurría desde Los Nuevos Mutantes, en los... ¿80?) y los mutantes dejaron de ser unos parias oprimidos para convertirse en una raza que reivindicaba su lugar en La Tierra. Por sus páginas pasaron Centinelas, Shi'ars e incluso una nueva vuelta de tuerca al pasado de Lobezno, todo con un aire de frescura que Morrison consiguió imprimirle para el goce y disfrute de muchos lectores de mutantes que se habían cansado de leer siempre lo mismo. Presenta a un nuevo hombre-X, Xorn, que consigue calar entre el público y se nos insinúa una nueva venida del Fénix, mientras Cíclope se embarca en un nuevo lío de faldas que (esta vez sí que por primera vez) traerá cola. Y cuando los lectores ya estaban acostumbrados a esperar mes a mes su nueva ración mensual de una de las mejores etapas de los mutantes, llegó la última saga de Morrison: Here Comes Tomorrow... Y si ya había abierto bocas de admiración hasta ese momento, cuando se comprueba definitivamente lo que hasta ese punto sólo se insinuaba, la etapa de Morrison alcanzó el nivel de lo mejor que se puede leer actualmente, nada más que añadir.

El apartado gráfico puede calificarse de irregular. Quitely, aunque no es santo de mi devoción, dibujando mujeres con cara de hombres (o monstruos) se manejaba bien con sus composiciones de página y su compenetración con Morrison. Phil Giménez también se las arregló bastante bien, aunque se le pueda reprochar falta de espectacularidad en algunas escenas de la penúltima saga. Incluso tenemos a un mítico Silvestri ilustrando el final de la etapa Morrison... Pero por el medio tenemos al odiado Kordey. No sé cómo ha conseguido ser dibujante de Marvel, aunque con el Quesada de jefazo ya me lo creo todo, pero lo que hace ese hombre con los lápices (si es que usa lápices) es de juzgado de guardia. Menos mal que los guiones de Morrison son suficientes para aguantar algo tan desagradable para la vista.

Todo un clásico moderno que asegura diversión, sorpresa y entretenimiento a partes iguales. Qué error por parte de Marvel no acabar con la colección cuando Morrison se fue, visto en lo que ha degenerado la franquicia mutante, una vez más. La prepotencia de Morrison mientras se encontraba al cargo de los guiones parecía bastante gratuita con frases como "cuando yo acabe, no hará falta que nadie más escriba sobre los X-Men" o "Yo escribo cómics para adolescentes inteligentes, no quiero escribir para tontos"; desafortunadamente, el tiempo le ha dado la razón...

Punisher vs Bullseye

2009-03-06T02:55:00.006+01:00

Bullseye: Necesito la mitad del dinero ahora: Doscientos cincuenta mil.

Nico: Ni hablar.

Bullseye: ¿Disculpa?

Nico: Hemos corrido la voz por toda la ciudad. Un montón de tipos están intentando embolsarse el cheque del Castigador, tal vez antes que tú.

Bullseye: En realidad, no has corrido la voz por toda la ciudad. Ese abogado sólo tuvo tiempo de decirme a mí lo del contrato del Castigador antes de que... muriera horriblemente. Pero, mira, tienes suerte: estoy aquí. Y QUIERO MI DINERO.

Editorial: Panini

PVP: 10,75 €

Páginas: 120

Guión: Daniel Way

Dibujo: Steve Dillon

Como ya anuncié en la primera serie limitada del gran Bullseye con el mismo equipo creativo: CUIDADO, aquí no vas a encontrar la octava maravilla del mundo ni una historia trascendental planeada por Alan Moore. El guión es de alguien capaz de clonar al Grath Ennis humorístico de sus primeros números de Punisher y los dibujos de un más que digno "alumno" de Kevin Maguire, así que ya sabes a lo que atenerte (o dejar de leer ya).

Ha llegado el momento de que dos de los más grandes psicópatas se enfrenten. Frank Castle es El Castigador, un homicida peligroso empeñado en eliminar a todos los criminales que encuentre. Bullseye es un psicópata con una puntería impecable, capaz de matar a quien sea con el objeto más insignificante en el que puedas pensar. Una familia mafiosa venida a menos ha decidido poner, como muchas otras en el pasado, precio a la cabeza del Castigador. ¿Por qué esta vez debería ser diferente? Porqué esta vez Bullseye está interesado en el dinero, y Frank Castle descubrirá lo peligroso que puede ser un avioncito de papel...

Lo prometido es deuda, y aquí tenemos la lucha de titanes que nos dibujará varias sonrisas en la cara siempre que dsfrutaras con el breve encuentro que ya tuvieron los personajes en Bullseye: Grandes Éxitos. De nuevo Way nos sorprende con un cómic ligero y sin pretensiones. Explosiones, risas, gracias, tiros y Bullseye en un combate de lujo. Nada que añadir. Y todo presentado por Steve Dillon y sus expresiones faciales características y, por supuesto, es una gozada volverle a ver dibujar al Castigador con su escaso pero efectivo repertorio facial: enfadado, cabreado y "vas a morir de forma horrible". Y, por supuesto, descubriremos nuevos aspectos de Bullseye. Por ejemplo, que si le caes bien puede regalarte los objetos más variopintos. Y que, a pesar de estar totalmente loco, es capaz de plantarle cara a uno de los más curtidos veteranos de Marvel.

¿Conseguirá Frank matar a Bullseye? Por supuesto que no. ¿Eliminará Bullseye a Frank? Bueno, antes de leer el cómic tambien sabemos que no. ¿Habrá bajas civiles? Sí, claro. ¿Habrá bajas de mafiosos? Pues tambien. Pero lo importante no son las respuestas que ya se saben antes de empezar a leer, sino el buen rato que se puede llegar a pasar leyendo una historia divertida ilustrada por un dibujante con un estilo peculiar. Nada sobre lo que reflexionar durante horas ni que cambie nuestra percepción de la realidad, un mero entretenimiento de los que se agradecen en ocasiones.

Thunderbolts

2009-03-06T01:42:00.010+01:00

Bullseye: ¿Sabes lo que digo? Cada vez que mato a alguien me siento más cerca de Dios. Él crea y yo destruyo. ¿Y si eso me convierte también en dios?

Norman Osborn: Guardia, creo que no pasará nada si el señor Bullseye está otras 24 horas sin poder ir al servicio, ¿no cree?

Guardia: Sí, señor.

Editorial: Panini
Guión: Warren Ellis
Dibujo: Mike Deodato Jr.

Cuando se supo que elementos del calibre de Bullseye y Veneno iban a formar parte de los Thunderbolts, pensé que sólo era la última de las cagadas que derivan de la Guerra Civil de Marvel. Pero luego me enteré de que Warren Ellis estaba por allí y decidí darle una oportunidad... Y el resultado es que soy un converso convencido de los Thunderbolts de Ellis. Los antiguos Thunderbolts eran villanos de tercera que, hartos de llevarse palizas, decidían ser buenos para que no les pegaran cada dos por tres; los Thunderbolts de Ellis son un atajo de cabrones que cumplen con sus órdenes porque no tienen más remedio o porque les conviene (una suculenta paga o una buena sacudida eléctrica son las alternativas). Los Thunderbolts de Ellis no son un equipo, son un puñado de psicópatas y asesinos obligados a obedecer. Los Thunderbolts de Ellis... me encantan.

Pero empecemos por el principio. Estos Thunderbolts tienen un director: Norman Osborn. Sí, el Duende Verde que le hacía la vida imposible a Spiderman ha vuelto, aparentemente reformado y redimido ante el ojo público (y bajo medicación para que no tenga... pensamientos "verdes"). Por supuesto, sigue tan loco y psicótico como siempre, pero lo disimula en público. La alineación la forman un chino radiactivo, la líder de los antiguos Thunderbolts, una psiquiatra con poderes que no dudará en... alterar la medicación de Osborn, el hijo de un nazi que tiene su espada forrada con la piel de su hermana muerta, el antiguo Escorpión con un traje simbionte alienígena con intenciones caníbales, el encantador psicópata Bullseye y un antiguo héroe que para usar sus poderes ha de hacerse daño (mucho).

Junta a estos personajes bajo la batuta de uno de los guionistas más brillantes de la actualidad, y tendrás como resultado un cómic capaz de voltear el concepto de "superhéroe" como pocas veces se ha visto. Manipulación mediática, villanos haciendo el papel de héroes y mucho dolor para los que se crucen con ellos. Y, por supuesto, tambien risas y humor (negro). El eficiente dibujo de Deodato acompaña a la perfección los guiones de Ellis, desde la vida carcelaria que llevan nuestros "héroes" hasta las luchas sanguinarias y sucias que libran para capturar a los seres con poderes no registrados, a los que Ellis ha rescatado de los rincones más olvidados de Marvel (La Araña de Acero, Jack Flag, Águila Americana...) para que participen en la carnicería. Pero no sólo de acciones sangrientas e injusticias se alimenta la trama, sino que tambien tendremos el dudoso placer de acercarnos a algunas de las mentes más perturbadas del equipo... La serie se complementa con algunos números autoconclusivos realizados por otros autores, en las que hay curiosidades como Bullseye ejerciendo de líder de campo o Norman Osborn arreglando asuntos pendientes.

Una de las colecciones más originales y oscuras que ha dado Marvel en estos tiempos de bajón creativo (debe ser lo único bueno que ha salido de Civil War...), una experiencia inolvidable cuyo fin ya está cerca porque Warren Ellis (alias "culo inquieto") ya ha anunciado su marcha de la serie y Bendis ha decidido copiar su creación, aunque esto será otra historia. Si te atreves a iniciar esta lectura descubrirás que no sólo odias a los Thunderbolts de Norman Osborn, sino que tambien los quieres (aunque sea un poco)...

Culebrón de Clint (o El Intercambio)

2009-01-20T18:17:00.003+01:00

Tenemos aquí el nuevo culebrón del señor Clint Eastwood... Asustado por si sufriría un arrebato intestinal como con Los Puentes de Madison o si saldría contento como en Mystic River, me alegra decir que el viejo vaquero me sorprendió, de nuevo. El cine "made in Clint" sigue presente en esta película: ritmo pausado (con desniveles de menos a más y de más a menos) , recreación (excesiva) en el dolor de los personajes, uso clásico de la cámara, sin alardes... pero con los detalles "hijoputescos" marca de la casa.

Basada en una historia real, asistiremos a la desesperada lucha de una madre (una Angelina Jolie que no ha usado su cuerpo como reclamo, creo que por primera vez) por intentar averiguar qué ha pasado con su hijo desaparecido. Por supuesto, el director no deja pasar la oportunidad para criticar el sistema policial y político de la época. Pero no, no tengais miedo que no vais a estar viendo durante dos horas a Angelina llorando y preguntándose por su hijo (menos mal), cuando menos te lo esperas llega un toque "hijoputesco" de Clint para que vuelvas a dudar sobre el hijo, los implicados o el cómo acabará.

Los actores cumplen su función sin excesos. La Jolie, como ya hemos apuntado, no usa su cuerpo como reclamo y parece que intenta hacernos ver que acudió a un par de clases de interpretación. John Malkovich no tiene reparo alguno para tomar un papel (muy) secundario y hacerlo de forma normal, sin duda porque cuando Clint le dice a alguien que quiere usarlo en su película, ese alguien no puede negarse a aceptar. Los niños son correctos (vamos, una de las pocas películas donde aparecen niños y no te dan ganas de ostiarlos) sin más. Y el que hace de "hombre de la América profunda con problemas" sobreactúa sólo lo necesario. Como suele ocurrir con las películas de Clint, parece como si consiguiera traspasar la austeridad y carencia de gestos de él como actor al resto del reparto (lo cual me parece cojonudo, por cierto).

Una buena inversión, tanto económica como de tiempo, con la que perder un par de horitas, sobretodo si pensabas que en el cine sólo había ya efectos especiales y remakes estúpidos. Un drama honesto, en el que todo es lo que parece. Simple, pausado y directo, la marca de la casa de Clint (aunque sea un culebrón).

Arsénico por compasión

2009-01-20T17:39:00.005+01:00

Mortimer: ¿Quereis decirme como ocurrió?
Abby: Oh, Mortimer... no seas tan preguntón. Ese caballero murió porque bebió un vaso de vino con veneno.
Mortimer: ¿Y cómo llegó el veneno al vaso?
Abby: Se lo pusimos en el vino porque a penas se nota. En el té tiene un sabor muy especial...
Mortimer: ...

Título original: Arsenic and old lace

Director: Frank Capra
Actores: Cary Grant, Priscila Lane, Peter Lorre, Raymond Massey, Josephine Hull
Año: 1944
Duración: 118 minutos (aproximadamente)
Trailer: (No lo he encontrado)

Si tuviera que elegir una única comedia de la extensa lista de películas cómicas que debe existir, esta sería la primera. Puede que llore de risa con los Monthy Python, Austin Powers o las comedias más salvajes de Jim Carrey, pero es esta obra maestra de Capra la que siempre me viene a la cabeza cuando pienso en la mejor comedia que he tenido el placer de ver. Y será que el señor Capra y yo tenemos un sentido del humor parecido, porque se dice que cuando vio esta obra de teatro, no paró hasta que consiguió sus derechos para hacer la película...

Resumir la película sólo serviría para arruinar un par de sorpresas al pobre desafortunado que no la haya visto. Si dijera que es la historia de un crítico teatral (famoso por sus libros en contra del matrimonio) que se acaba de casar y hace una fujaz visita a sus tías antes de embarcarse de luna de miel, seguramente no llamaría la atención de nadie. Sin embargo, lo único que podría añadir a este resumen es que, si pensabas que la familia Vorhees o la familia Bates eran "especiales", te prepares para conocer a la familia Brewster... Las obras de Frank Capra más famosas siempre han mostrado la lucha de un hombre contra el mal frente a la indiferencia de la mayoría (Caballero sin espada, ¡Qué bello es vivir! o Juan Nadie), aunque en esta ocasión no veamos nada de eso. Humor, humor y humor negro es lo único que vamos a encontrarnos en estos 114 minutos de golpes, carreras y locura en blanco y negro.

Entre los actores, por supuesto, hay que destacar al gran Cary Grant. Aunque el actor se mostró durante toda su vida contrariado por este papel, hay que reconocer que está magnífico. Al actor no le gustó porque el director le obligó a sobreactuar en cada escena (cosa que parece que no le hacía gracia a Grant), y vaya si sobreactuó: carreras, muecas, golpes, alaridos... un Cary Grant como nunca se había visto (y como nunca se volvió a ver salvo, tal vez, en algunas ocasiones de Con la muerte en los talones) arrancando sonrisas al espectador en cada momento, lejos de su papel de galán eterno. Acompañándolo, un grupo de secundarios que lo hacen igual de bien que él ante los que habría que quitarse el sombrero: la sufrida y desconcertada (y también guapa) esposa, las entrañables (a la par que "especiales") tías del protagonista, el tío que se cree Teddy Roosevelt y sus cargas a traves de la escalera, el hermano malvado Jonathan que se parece a Boris Karloff y su compañero el doctor Einstein, alcohólico y complaciente interpretado por el también grande Peter Lorre.

El único fallo que se le podría criticar a la película es que no esté Boris Karloff... Pero como confieso que la primera vez que la vi pensaba que era él, y dado el magnífico trabajo del actor Raymond Massey, no seré yo el que la critique por eso. Recomendada para toda la familia, sólo espero que algún día pueda verla proyectada en un cine para poder reirme de verdad en una sala de cine, y no por lo cutre que resulte lo que están proyectando...

Doce hombres sin piedad

2008-11-28T21:15:00.008+01:00

Número 8: No digo que sea inocente. Pero si vamos a enviarlo a la muerte, al menos se merece que perdamos el tiempo hablando sobre ello ¿no creen?

Título original: Twelve angry men

Director: Sidney Lumet
Actores: Henry Fonda, Lee J. Cobb, E.G. Marshall, Jack Warden, Ed Begley, Martin Balsam, John Fiedler, Robert Webber
Año: 1957
Duración: 95 minutos (aproximadamente)
Trailer: http://www.youtube.com/watch?v=A7CBKT0PWFA

Impresionante obra maestra de los 50. El comienzo no puede ser más prometedor: finaliza el juicio, sin haberlo visto, y el espectador es trasladado a la sala donde los doce miembros del jurado deliberan sobre el caso. 90 de los 95 minutos de la cinta, aproximadamente, serán los que pasará la cámara junto a estas personas. En apariencia es un sencillo caso de asesinato sin demasiadas complicaciones, donde once de los jurados no dudan en condenar al presunto culpable... pero el número 8 parece que tiene algo que añadir, dando lugar a una dura batalla verbal con increibles momentos de tensión. Lo que sólo me había pasado con Caballero sin Espada me vuelve a pasar aquí: las palabras provocan sensaciones más fuertes y violentas que cualquier espectáculo barato de disparos y explosiones. Por supuesto, para añadir más tensión a la situación hay un cuchillo en medio de la mesa que en varios momentos de la película parece que más de un miembro del jurado vaya a usar contra otro (en el sentido más físico posible, claro)...

Por supuesto, los doce miembros que componen el jurado popular son tópicos de los que posiblemente no falten en estas formaciones: el de los prejuicios, el que se la suda, el que lo considera un gran honor y responsabilidad, el cabezón (aunque de estos hay varios)... Toda una serie de personalidades que han de chocar inevitablemente unas con otras mientras la vida de un hombre pende de un hilo. Toda una exposición sobre la presunción de inocencia, la responsabilidad y los entresijos de los juzgados populares tan habituales en América.

La obra original es de teatro. Su origen es fácilmente apreciable por la monotonía espacial de la película y el énfasis en las palabras sobre las acciones, aunque dado el tema que se trata es bastante obvio. Aún así, resulta destacable la actuación de los protagonistas. La tensión entre ellos es palpable, y los primerísimos planos que recibe el más viejo del jurado hace que pienses si al pobre hombre le va a dar un ataque de corazón ahí mismo o le van a salir colmillos y dedicará una horrible sonrisa al resto de sus colegas (a lo Bela Lugosi).Enfados, confrontaciones, arrepentimientos, cabezonería, pruebas, hechos, caballerosidad... Lo mejor es que no sabes con qué va a salir ahora cualquiera de las doce personas. Vale, puedes pensar que Henry Fonda va a ganar porque es "el protagonista", pero nunca podrás aventurar con qué te va a salir él para defender su postura o cualquier otro para defender la suya.

En fin, todo un ejemplo de lo que el cine ha dado de sí en el pasado, y más ganas de vomitar al enterarme que alguien hizo un "remake". No lo he visto, ni creo que lo vea, pero me resulta complicado imaginar algo mejor que la original. Si te gusta el cine "de juicios", ya la habrás disfrutado; y si no eres aficionado a este tipo de cine... bueno, siempre puedes probar y cambiar de opinión. ¡P.O.M.* en todos los sentidos!

* (Puta Obra Maestra)

Harry el Sucio

2008-10-27T22:15:00.006+01:00

Alcalde: No quiero más problemas como los que me diste el año pasado en el Distrito Fillmore, ¿entendido? Esa es mi política.
Harry: Sí, bien, cuando un hombre adulto persigue a una mujer para violarla, yo disparo al cabrón. Esa es mi política.
Alcalde: ¿Violarla?¿Y cómo lo sabes?
Harry: Cuando un hombre desnudo corre tras una mujer por la calle con un cuchillo de carnicero y una erección, me imagino que no está recogiendo dinero para la Cruz Roja...

Título original: Dirty Harry

Director: Don Siegel
Actores: Clint Eastwood, Reni Santoni, Andrew Robinson
Año: 1971
Duración: 102 minutos (aproximadamente)
Trailer: http://www.youtube.com/watch?v=YzeV8Sd9pV0

Dejadme que os hable de los criminales. Sí, esos cabrones que roban el dinero a los trabajadores honrados. Esos bastardos que entran en vuestras casas y os pegan y os roban. Y también de esos enfermos hijos de puta que matan a una persona inocente. Cabrones a los que, si les intentas agredir para impedir que te hagan algo, les protege la ley. En este clásico del cine aparece uno de ellos, un psicópata llamado Scorpio (magistralmente interpretado por Andrew Robinson) que se dedica a chantajear a la ciudad de San Francisco a base de asesinatos.

Por desgracia para él, en la misma ciudad está Harry Callahan. Callahan es un desencantado detective de policía al que poco le importan los derechos de los criminales. Interpretado por el mejor Clint Eastwood, Harry mostrará a lo largo de la película su falta de compasión hacia los criminales (o su falta de respeto hacia las leyes establecidas) mientras encadena una frase lapidaria tras otra.¿Fascista con placa?¿Héroe incomprendido?¿Antihéroe en toda regla? Estas preguntas son para que cada espectador las responda como quiera, mientras asiste a la lucha entre Callahan y Scorpio. Sea cual sea la respuesta, seguro que disfruta cuando Scorpio lo pasa mal o cuando Harry ajusticia a algún cabrón.

La correcta dirección de Siegel, todo un experto en el cine de acción, nos deja algunas secuencias impactantes como la de Harry esperando al autobús sobre un viejo puente, los primeros planos cuando suelta su discurso del Magnum ("Do I feel lucky? Do you, punk!?") o el desencantado final; todo ello adornado con música de la época y a un joven Clint Eastwood que no necesitaba una musculatura excepcional ni desfilar en camiseta interior para convertirse en el más duro de los duros (después vendrían el McCloud de Willis, el Riggs de Gibson y otros más, pero Harry seguirá siendo el más duro).

Cuatro secuelas seguirán mostrando (con mayor o menor acierto) las habilidades especiales de Callahan cuando se trata de darle su merecido al bastardo de turno, pero ha sido la primera la que más ha quedado en la retina del público, seguramente porque la esencia más pura del personaje, el Harry más sucio de todos, sigue estando en esta primera aparición.

Cuestiones fascistas y violaciones de la ley a parte, un endiablado entretenimiento para ver de vez en cuando (y algo obligatorio en el extraño caso de que nunca hayas visto al detective de policía más duro del planeta en acción), para recordarnos que hay películas para las que la edad no significa nada (y la moral americana de hoy en día, aún menos).

Cagarla es la clave (o X-Files: Creer es la clave)

2008-07-28T19:20:00.006+02:00

Pongámonos en situación. Me gusta Expediente-X. Me gusta Dana Scully y me gusta Fox Mulder. Si fuera mujer, seguro que me pondría cachonda Fox Mulder. Me lo pasaba (y me lo sigo pasando bien) viendo a estos dos agentes del FBI entre casos de conspiraciones, monstruos, asesinatos en serie, extraterrestres y toda clase de barbaridades imaginables. Cuando mucha gente se quejaba de que la película (la anterior) sólo era un capítulo más largo de la serie, yo seguía diciendo que molaba. Sigo buscando para mi habitación un poster de los de "I want to believe" como el que tiene Mulder en su despacho. Y me río y sigo disfrutando de los (pocos pero existentes) capítulos de coña que Chris Carter iba intercalando entre capítulos de la serie.

También debo confesar que no he visto todas las temporadas. Lo dejé cuando dejaron de hacerlo en la televisión, así que no he visto nada del secuestro de Mulder ni el fin de la serie (de haberlo) ni nada de eso, por lo que no sé hasta qué punto ha podido degenerar el asunto. Por esto mismo, tenía muchas ganas de ver a mis agentes favoritos del FBI (con el permiso de Dale Cooper, claro) de nuevo en acción...

Así que me encaminé al cine con alegría. "X-Files: Creer es la clave... No va a ser una obra maestra, pero me entretendrá después de tanto tiempo sin Mulder y Scully", pensaba inocentemente. Pagué los casi 6 euros de la entrada y... y... y me encuentro con esto: una soberana mierda. 106 minutos de los cuales la gran mayoría son aburridos; no sé que le habrá pasado a Chris Carter pero ha sido incapaz de mantener un mínimo de tensión excepto al final de la película. Sólo se salvan dos cosas de este zurullo (y depende de lo fan que seas de la serie, claro): la aparición estelar del mítico Skinner y la relación Mulder/Scully. Nada más... pero NADA de NADA. No insistiré más, porque si no se puede decir nada bueno de algo es mejor no decir nada... Acabaré diciendo que hubiera quemado el cine en plan justicia poética, si no llega a ser por la agradable compañía.

Por último, un llamamiento a un antiguo genio: señor Carter, por favor: si necesita dinero dedíquese a la prostitución pero usando su culo, no lo que es para muchos todo un símbolo generacional, y no intente sacar dinero a unos fans que le hemos apoyado durante varios años. Por supuesto, son sus creaciones y puede maltratarlos todo lo que quiera, pero no sería justo. Ni para Mulder, ni para Scully, ni para usted ni para sus incondicionales.

Lobezno: Honor

2008-06-08T01:59:00.000+02:00

Lobezno: La clave no está en ganar o perder, sino en luchar. Puede que nunca sepas lo que eres, o lo que quisieras ser, pero ¿cómo saberlo si no se intenta? Es temible, de acuerdo. Pero, ¿Cuál es la alternativa...? El estancamiento, la forma más terrible de morir... porque atañe al espíritu. Un animal sabe lo que es y lo acepta. Un hombre puede saber lo que es, pero pregunta, sueña, se esfuerza, cambia... aprende.

Editorial: Panini
PVP: 14,95 €
Guión: Chris Claremont
Dibujo: Frank Miller
Entintado: Josef Rubinstein

Aprovechando que Panini ha rescatado esta gran historia de Lobezno (en su siempre excesivamente cara línea de Best of Marvel), me dispongo a comentarla por si consigo animar a alguien que no esté totalmente convencido de adquirirla, aunque yo tengo una edición mucho más asequible de Cómics Forum...

Retrocedamos en el tiempo hasta cuando la palabra "mutante" sólo se leía en Unncanny X-Men, cuando Lobezno sólo salía en Unncany X-Men y actuaba como saco de ostias, y cuando las chorradas de Bendis no habían afectado demasiado al Universo Marvel. En definitiva, retrocedamos a los buenos tiempos donde Chris Claremont encandilaba al lector con sus Hombres-X. Lobezno, ese pequeño psicópata con garras que solía recibir en todos los números una buena paliza, empezaba a abrirse un hueco en el corazón de los aficionados gracias a su rebeldía y ataques homicidas. Así que Claremont y Miller le dedicaron una serie limitada de cuatro números. Hubiera sido sencillo para ellos hacer la típica historia en la que Lobezno va destripando con sus garras a cualquiera que se ponga en su camino para acabar con un Lobezno triunfante y una lista de 400 o 500 bajas, pero decidieron hacer algo especial...

Tan especial como destrozar a Lobezno. Pero no físicamente, claro. Destrozarlo como duele de verdad, sin un factor de curación capaz de curar su alma, para tratar de recomponerse poco a poco, cambiando de forma definitiva durante el proceso. Tras esta serie limitada, Lobezno evolucionó. Por supuesto, si le tocaban mucho las pelotas, el animal que era resurgía, pero con esta historia consiguió una humanidad que le ha definido hasta el día de hoy.

Poco hay que decir sobre el guión... un Claremont en plena forma llenaba las viñetas con cuadros de texto sobre los cambiantes pensamientos de Lobezno, desde el ya clásico "soy el mejor en lo que hago" hasta auténticas reflexiones filosóficas sobre la vida. Pero la caída y posterior renacimiento de Lobezno no es un aburrido debate filosófico, no. Recordemos que es Lobezno, así que la sangre está garantizada. Y más si tiene como adversarios a los ninjas de La Mano, que no importa los que mate con sus garras porque siempre habrá más a los que matar...

¿Y el dibujo de Frank Miller? Bueno, pues en esta ocasión nos regala la vista con algunas escenas buenísimas como Lobezno acechando en las sombras por los callejones de Japón o unas intensas luchas contra ninjas de La Mano o el padre de Mariko. Y, además... ¡consiguió de alguna forma convencer a Claremont para que no metiera cuadros de texto en algunas escenas de acción!

Así que, si quereis descubrir al mejor mutante canadiense enano cuando no había sido quemado por Marvel haciéndolo aparecer en unas 50 series al mes y no os importa ser estafados por el formato BOM de Panini, este tomo es una muy buena elección.

Doce del patíbulo

2008-03-11T00:30:00.000+01:00

Comandante Reisman: Maten a todos los oficiales que puedan
Frankie: ¿De los nuestros o de los suyos?
Comandante Reisman: Empiecen por los de ellos, si no les importa...

Título original: The Dirty Dozen

Director: Robert Aldrich
Actores: Lee Marvin, Ernest Borgnine, Charles Bronson, John Cassavetes, Donald Sutherland, Telly Savalas, George Kennedy, Robert Ryan
Año: 1967
Duración: 149 minutos (aproximadamente)
Trailer: http://trailers.warnerbros.com/web/play.jsp?trailer=dirty_dozen_the_trailer

Referencia obligada para cualquier película bélica relacionada con comandos desenvolviéndose en misiones suicidas. Imitada hasta la saciedad, pero pocas o ninguna vez igualada. La historia de los 12 condenados que tienen la oportunidad de ganarse la libertad si realizan una misión suicida bajo el mando de un duro oficial es considerada todo un clásico en el mundo del cine. Parte del éxito se debió, sin duda, al reparto: la mezcla de tipos duros (Bronson, Marvin) con actores capaces de cambios gestuales (Sutherland, Savalas...) dio mucha vida al grupo de presos. La excelente labor del director tambien tuvo mucho que ver: en las dos partes bien diferenciadas de la película, el entrenamiento y la operación, Aldrich se desenvuelve muy bien tanto en el tono humorístico de la primera parte como en la frialdad y dureza de la segunda.

Y es que lo que más ha quedado en la memoria es el mítico entrenamiento de los reos. Enfrentamientos con la policía militar, disputas con el resto de militares y discusiones con el superior encargado de prepararlos. Y, por supuesto, la maravillosa prueba final en un combate simulado, donde hacen gala de todas las malas artes y juego sucio que cabe esperar. Todo llevado con mucho humor e incluso alegría.

Puede que el humor que impera en la parte del entrenamiento consiga hacer más dura la parte del combate real, donde la muerte y las salvajadas propias de un conflicto bélico se hacen visibles sin demasiadas contemplaciones. Especialmente dantesca es la escena en la que rocían con gasolina a unos alemanes encerrados en los sótanos (hombres y mujeres) para asegurarse de que mueren todos cuando exploten las bombas, ante el pánico de estos...

Antes de este film, las películas bélicas con éxito solían ser grandes superproducciones con cientos de extras en las que se relataban grandes acciones de guerra que enfrentaban a ejércitos (como en El día más largo). Tras el éxito cosechado por Los Doce del Patíbulo, empezaron a proliferar las películas centradas en pequeños grupos de condenados buscando la redención en misiones suicidas... Película muy recomendable llena de humor, acción, tiros, explosiones y clásicos anti-héroes. La primera, la original (porque es mejor olvidarse de sus patéticas secuelas, claro), perfecta para disfrutar a solas o en compañía mientras se hacen apuestas por ver qué miembros del comando sobrevivirán y cuales se volverán locos. Toda una experiencia en el extraño caso de no haberla visto aún...

La Cosa

2007-09-21T19:10:00.000+02:00

MacReady: Yo sé que soy humano. Y si todos fuerais esas cosas, entonces me habríais atacado ya, así que algunos de vosotros también sois humanos. Esta cosa no quiere mostrarse, sólo esconderse en una imitación. Luchará si es necesario, pero es vulnerable una vez se muestra. Si nos elimina, no tendrá más enemigos, nadie más a quien matar. Y entonces habrá ganado.

Título original: The Thing

Director: John Carpenter
Actores: Kurt Russell, David Clennon, Keith David
Año: 1982
Duración: 129 minutos (aproximadamente)
Trailer: http://us.videos.starmedia.com/video/iLyROoaftYtR.html

Antes de ver La Cosa, pensaba que Alien era lo mejor que se había hecho sobre extraños alienígenas ofuscados en matar humanos. Alien tenía naves espaciales, bichos espaciales y una tripulación intentando sobrevivir en algún lugar remoto del espacio... Luego vi La Cosa y tuve que cambiar de opinión...

Un campamento de investigación en la Antártida se encuentra con un ser extraterrestre con la alarmante capacidad de convertirse en réplicas de otros seres vivos (matándolos en el proceso). La criatura ha de matarlos y los humanos han de matarla a ella, para poder sobrevivir. Con esta sencilla premisa, John Carpenter creó uno de los espectáculos más horribles de la historia del cine, pero no horrible de malo. Horrible de claustrofóbico (la mayor parte del tiempo los protagonistas se encuentran en el interior de la base, ya que si están mucho rato fuera lo más probable es que mueran congelados), horrible de angustioso (la primera vez que la ves, no sabes quién es humano y quién es "portador" de la cosa, haciendo que sospeches de todos como buen paranóico) y horrible de asquerosa (cuando descubren a la cosa, el cuerpo humano se deforma y muta de las maneras más desagradables que puedas imaginar, y se ven cabezas con patas, estómagos con dientes y demás asquerosidades usando la ya olvidada técnica del slow motion).

Tristemente maltratada por la crítica en su momento (probablemente por coincidir el mismo año que E.T., una visión más agradable de seres extraterrestres, sin duda), el tiempo parece estar devolviéndola al sitio que se merece. Un mal llamado remake de El Enigma de Otro Mundo (por basarse en el mismo relato de ciencia ficción), La Cosa ha dejado varios elementos para la posteridad: el mítico personaje de Kurt Russell con su eterna barba, gafas de sol y botella de JB; las delirantes apariciones de La Cosa y uno de los finales más míticos del cine.

Hay que reconocer que otro de los elementos que consiguen crear la sobrecogedora atmósfera que envuelve a esta película (a parte del buen hacer del director y las asquerosas apariciones de la cosa) es la música del gran Ennio Morricone. Resulta tan inquietante como el no saber si al personaje que está hablando le va a explotar la cabeza para acabar con el otro interlocutor o si a ese tipo que parece muerto no le van a salir catorce patas y cuatro ojos y va a abalanzarse sobre la cámara...

Puede que la obsoleta técnica del slow motion y las sobradas del personaje de Russell provoquen la risa si se ve en compañía, pero en el frío salón por la noche sólo en casa no es tan divertido...

Batman: Año Uno

2007-09-21T18:03:00.000+02:00

Bruce Wayne: Padre... me temo que esta noche voy a morir. He intentado ser paciente. He intentado esperar. Pero debo saberlo. ¿Cómo, padre? ¿Cómo lo hago? ¿Qué puedo usar... para asustarles? Si toco esta campana, Alfred vendrá. Podrá detener la hemorragia. Es otro de tus regalos, padre. Tengo riqueza. La mansión familiar reposa sobre una enorme cueva que será el cuartel general perfecto... un mayordomo formado en medicina de combate... sí, padre. Lo tengo todo menos paciencia. Prefiero morir... que esperar... una hora más. He esperado dieciocho años...

Editorial: Norma
PVP: 12 €
Guión: Frank Miller
Dibujo: David Mazzucchelli
Entintado: ¿David Mazzucchelli?

Recuerdo que, hace algunos años, conversaba con un amigo sobre este Año Uno. A él le parecía una genialidad mientras que a mi no me llamaba demasiado la atención. "Ya crecerás y sabrás apreciarlo", me decía. Y creo que ya he crecido. Año Uno nos muestra los pasos de un primerizo Bruce Wayne intentado ser Batman, pero también las primeras andanzas del, por aquel entonces, Teniente Gordon que acaba de ser trasladado a la comisaría de Gotham City. Me di cuenta el otro día que el tercer personaje al que no hace referencia el título es la propia ciudad de Gotham, cuando los excéntricos psicópatas que suele atraer Batman aún no sembraban el terror por sus calles. Sin embargo, la ausencia de estos enfermos no parece hacerla menos peligrosa...

Ni siquiera me parece un cómic de superhéroes. Me resulta más parecido a un drama en el que dos personas, Bruce Wayne (una especie de psicópata en potencia) y Jim Gordon (un hombre con su propio viacrucis personal), intentan hacer lo que consideran correcto según su propio punto de vista rodeados de una cantidad de escoria que hace que su encuentro sea inevitable...

Con una naturalidad y agilidad propia del Frank Miller de sus mejores tiempos (nada que ver con los delirios de grandeza que parece sufrir hoy en día...), vamos viendo los progresos de Bruce Wayne y Jim Gordon en sus respectivos "trabajos" hasta llegar a la página final, donde Gordon espera en la azotea a su nuevo "amigo" para hablarle de un nuevo problema que ha surgido en su ciudad (simplemente, uno de los mejores finales que he leído nunca).

Unos cuantos secundarios (Catwoman, Harvey Dent...) nos hacen pensar de vez en cuando que seguimos en un cómic de "superhéroes", pero no durante demasiado tiempo: la obsesión de Bruce Wayne (expresada fríamente en primera persona) y la humanidad (para bien y para mal) de Gordon consiguen una tensión y una sensación de realidad que no se ven en demasiados cómics de superhéroes. Y, si aún hay alguna duda, sólo hay que mirar unas cuantas viñetas. No hay hombres con músculos imposibles por cada 3 cm de carne. Ni mujeres con atributos que las obligarían a arrastrarse por los suelos debido a la fuerza de la gravedad. Mazzucchelli dibuja lo correcto en cada viñeta, sin excesos, con escenas brillantes como la interrupción en la casa del alcalde o la escaramuza con la policía en el edificio abandonado.

Hay rumores de que Planeta va a sacar Año Uno en su formato Absolute, por si no has conseguido esta edición de Norma o la que sacó Planeta hace poco en el coleccionable de Batman (y al increible precio de 1 €). Miller ha escrito tan bien el comienzo (con este Año Uno) y el final de Batman (con El Regreso del Señor de la Noche, mejor olvidar lo de El Señor de la Noche Contraataca, por favor...), que muchas veces te planteas si vale la pena leerse todo lo que hay entre ambos...

Predicador

2007-08-06T01:51:00.001+02:00

Tulip: ¿Aquí es donde vas a empezar a buscarle, Jesse?
Predicador: Tanto da Texas como otro lugar.
Cassidy: ¿Ah, sí?
Tulip: ¿Dónde buscarías tú?
Cassidy: No sé. Conocí a un tipo que juraba haber visto a Dios, pero le encerraron por joder espásticos en las órbitas oculares. Llevaba sombrero de copa...
Tulip: ¿Y tu ojo en la punta de su polla?
Cassidy: ¡Heh!
Tulip: Dicen que Dios está en dos sitios: en la iglesia y en el fondo de una botella.
Predicador: Pues iré a buscar una licorería... porque te aseguro que en la iglesia no.

Editorial: Planeta DeAgostini
PVP: 3,5 € (cada tomo, de momento)
Guión: Garth Ennis
Dibujo: Steve Dillon
Entintado: ¿Steve Dillon?

Imagina que eres un predicador. Imagina que se te concede un poder tan grande que rivalizas con el de Dios. Piensa ahora que descubres que Dios ha dejado su puesto y ha abandonado a la humanidad que creó. ¿Crees que ya sabes cómo es Predicador? Pues seguro que te equivocas... La serie que lanzó a la fama a Garth Ennis es algo que no se puede imaginar. La búsqueda de Dios que emprende el reverendo Jesse Custer, más física que espiritual, es algo que no puede describirse con palabras. Violencia, humor, crítica social, violencia, grandes personajes, John Wayne, violencia, frases lapidarias, humor negro, violencia...

De entrada, el argumento es bastante sencillo: un predicador descubre que Dios ha "abandonado" su puesto y a su creación, así que decide buscarlo para pedirle explicaciones tras recibir un poder que le permitirá hacerlo. Pero aquí es donde interviene la maestría de Ennis, haciendo que el predicador y sus amigos se muevan por toda América y parte del resto del mundo, criticando mediante situaciones y personajes todo lo que va mal en el mundo. Según el propio Ennis, pretendía hacer un westren en cómic. Y se nota en muchos de los protagonistas, la ambientación y las situaciones. Pero, afortunadamente, le salió algo más grande, mucho más grande...

Habrá momentos en los que te reirás, otros en los que te asquearás, muchos en los que te estarás riendo de alguna atrocidad para preguntarte luego cómo puedes reirte de tal barbaridad, incluso habrá momentos en los que te pararás a pensar sobre lo que acabas de leer... pero lo que no harás será aburrirte.

Predicador es una gran historia de amor (entre Jesse y Tulip) de las que no se olvidan. Predicador es un gran cómic de acción (entre el Santo de los Asesinos, el Grial y el pasado de Jesse y Cassidy hay más tiroteos que en toda la saga de Rambo). Predicador también es un gran western (Jesse Custer es el vaquero protagonista de los westerns, pero por si acaso también tenemos a El Santo de los Asesinos, a John Wayne, el Gran Cañón e incluso el Álamo). Predicador es una gran intriga (el pasado de Jesse, Cassidy, ¿dónde está Dios?, El Grial). Predicador es un cómic donde aparecen algunos de los mejores personajes de todos los tiempos (Cassidy, Caraculo, Herr Starr, Tulip...). Predicador es violencia gratuita y exagerada (disparos a la cabeza, desmembramientos, descuartizamientos, peleas de bar, patadas en las pelotas)... Predicador es tantas cosas que no podría ennumerarlas todas. Ni falta que hace.

Un golpe de aire fresco en un asfixiado 1995, el mundo del cómic recuerda Predicador de diversas formas: una genialidad de un genio, una sobrada de un patán o incluso un intento de aprovechamiento de las ansias violentas que se acentuaron en la década de los 90. Sea lo que sea, la búsqueda de Jesse Custer es uno de los mayores entretenimientos que ha dado de sí el mundo del cómic. El valor teológico, escatológico o violento que le dé la gente tras leerlo es cosa de cada uno.

Sólo quisiera destacar tres cosas. Primero, la impresionante labor de Steve Dillon, dotando a los protagonistas de una expresividad que sólo he visto en los dibujos del mítico Kevin Maguire (poniendo más fondos que éste, por cierto). Segundo, el maravilloso personaje de Cassidy. Es el único que evoluciona en los 66 números de la colección. Bueno, igual más que evolucionar va dando tumbos, pero es realmente impresionante (si creeis que es un "hijoputa", en sus propias palabras, al principio...). Y, por último, todas esas magníficas referencias al western (John Wayne, El Santo de los Asesinos, El Gran Cañón, El Álamo, Predicador...). Para un aficionado al western como yo, es todo un cúmulo de referencias.

Si perdiste la oportunidad de disfrutar de este clásico moderno, Planeta DeAgostini lo ha empezado a reeditar hace poco en tomos semanales. Déjate llevar de la mano del Predicador por un viaje increible, aunque a veces acabes algo traumatizado y lo sueltes. Acabarás por volverte a enganchar...

Caballero sin espada

2007-08-06T00:39:00.001+02:00

Jeff Smith: Supongo que esto sólo es otra causa perdida, Sr. Paine. Ninguno de ustedes sabe sobre causas perdidas. El Sr. Paine sí. Él dijo una vez que eran las únicas causas por las que valía la pena luchar, y luchó por ellas en el pasado por la única razón por la que un hombre lucha. Por un plan simple, por una sencilla regla: "ama a tu vecindad" y en este mundo de hoy, lleno de odio, un hombre que conoce una regla sabe una gran verdad. Usted conocía esa regla, Sr. Pain, y yo le quería por ello, como le quería mi padre. Y sabe que se lucha más fuerte por las causas perdidas que por cualquier otra. Sí, usted incluso habría muerto por ellas, como un hombre que ambos conocemos, Sr. Pain. Usted cree que estoy cansado. Todos creen que estoy cansado. Bien, no estoy cansado y voy a permanecer aquí y voy a luchar por esta causa perdida aunque esta sala se llene de mentiras como esas, y todos los Taylors y sus ejércitos marchen por este lugar. Alguien me escuchará! Alguien...

Título original: Mr. Smith goes to Washington

Director: Frank Capra
Actores: James Stewart, Jean Arthur, Claude Rains, Edward Arnold
Año: 1939
Duración: 129 minutos (aproximadamente)
Trailer: http://www.movie-list.net/classics43007/mrsmithgoestowashington.mov

Puede que algunas personas la consideren una americanada tradicional en el cine, tal vez por el recorrido turístico y los ideales míticos que desprende el personaje de James Stewart, pero en realidad esta película es una bofetada en toda regla (por no decir una patada a la entrepierna) al sistema americano. Con un final feliz (si no, claro, no sería Capra), la historia de un idealista americano que es elegido a dedo como senador para que pueda ser fácilmente manipulado hasta que se da cuenta de la verdad, sirvió para realizar un análisis sobre la corrupción en el mitificado senado americano. La manipulación de los periódicos, la elección a dedo de cargos civilies, el desprecio por las masas, la diferencia entre el ideal y la realidad... todo tiene cabida en esta maravillosa película, y lo preocupante es ver que todos estos problemas ya estaban presentes en 1939...

Una de las mejores actuaciones de James Stewart, aunque habría que aclarar que no he visto ninguna que fuera mala, haciendo de tonto idealista en los primeros tramos del film y de acalorado luchador en el épico final intentando que le escuchen. Si bien puede llevar él sólo la película, el buen hacer de los secundarios sirvió sin duda para hacerla aún mejor, destacando el papel de Claude Rains sobre el resto por ser el único que le presenta un fugaz duelo interpretativo...

Nada de explosiones, ni tiros, ni muertes. Sólo un hombre contra el sistema, con la palabra como única arma y la creencia en sus razones. Curioso y significativo es que la persona que le abra los ojos al idealista sea un personaje totalmente desencantado con el sistema y, sin embargo, sea éste mismo el que le impida a Smith convertirse en un desencantado como él.

El grandioso final, con Smith enfrentado a todos los senadores de Estados Unidos, es uno de los momentos más grandes del cine: veintitrés horas sin dejar de hablar para que no le quiten la palabra frente a unas personas que no quieren escucharle, aunque haya alguien que no tendrá más remedio que escuchar... Un final, en definitiva, más apasionante y vibrante que la inmensa mayoría de "películas de acción" con las que nos bombardean últimamente...

Ya no se hace cine como este. Lamentablemente, la parodia de Los Simpson (en ese capítulo donde Mel Gibson hace un remake de Caballero Sin Espada donde acaba atravesando al presidente con la bandera americana) ejemplifica a lo máximo que se puede aspirar hoy en día si se hiciera un remake de esta impresionante historia. La democracia mancillada por la propia democracia y salvada al final por ella misma, todo en 129 minutos de blanco y negro gracias a la dirección de un mito del cine... Algunos la llamarán americanada, otros infantil, incluso alguien se atreverá a decir que es aburrida; yo sólo diré que esto es cine...

Apocalypse Now (Redux)

2007-07-09T21:53:00.000+02:00

Kurtz: He visto un caracol, se deslizaba por el filo de una navaja, ese es mi sueño, más bien mi pesadilla: arrastrarme, deslizarme por todo el filo de una navaja de afeitar, y sobrevivir.

Título original: Apocalypse Now

Director: Francis Ford Coppola
Actores: Marlon Brando, Martin Sheen, Robert Duvall, Laurence Fishburne
Año: 1979
Duración: 202 minutos (aproximadamente)
Trailer: http://www.kewego.es/player/?csig=iLyROoaftYvK&sig=iLyROoaftYgn

Varias "leyendas urbanas" se cuentan sobre esta película: que Martin Sheen estaba totalmente borracho en la escena inicial, que los cadáveres del campamento de Kurtz eran reales (comprados a una guerrilla), el uso de drogas y/o alcohol por parte de la mayoría del reparto... Pero ninguna ha podido eclipsar a la propia película: un viaje onírico en un bote que transforma a todos y cada uno de sus ocupantes hasta llegar a su destino final.

El Coronel Kurtz, condecorado oficial del ejército norteamericano, parece haber enloquecido. Asesina a tres supuestos espías y se esconde con sus seguidores en Camboya. El ejército americano, en plena guerra de Vietnam, no puede permitir ese comportamiento y decide enviar al capitán Willard a asesinarlo, aunque para ello deba atravesar Vietnam. En este marco despliega Coppola todo su talento para mostrarnos una impresionante crítica a la guerra de Vietnam en particular y al ejército en general. El capitán Willard va encontrándose con una colección de personas y situaciones (Killgore y su séptimo de caballería, la inspección de la embarcación vietnamita, el puesto abandonado, el último reducto francés o la parte americana del último puente) que, al igual que él mismo o Kurtz, son producto del ejército. Cuestionándose en todo momento las órdenes recibidas, llegará al campamento de Kurtz sin saber que hará: cumplir su misión o unirse a él.

Con un ritmo pausado, pero no lento, se nos va describiendo el horror y la locura que impera en todo conflicto bélico. Llevados de la mano por las delirantes observaciones grabadas en cinta de Kurtz y las reflexiones de Willard, pasaremos por bellas escenas en la jungla donde el director de fotografía les hacía esperar horas al reparto hasta que la iluminación natural fuera la adecuada, y tiroteos frenéticos contra no se sabe muy bien quién mientras la locura de la guerra se va apoderando de los protagonistas. Hasta llegar al final del viaje, donde un crepuscular Marlon Brando ayudará a Willard a tomar una decisión...

Un reparto que lo hace muy bien, momentos de humor y locura (como Killgore y su Séptimo de Caballería), escenas brillantes y un impresionante Marlon Brando con unos diálogos aterradores forman una de las mejores películas bélicas de todos los tiempos (sin exagerar), acompañada de temas de los Rolling Stones o The Doors. Un descenso a los infiernos orquestado por un impresionante Francis Ford Coppola. Imprescindible...

Punisher/Batman: Deadly Knights

2007-07-06T17:57:00.001+02:00

Batman: Como vuelvas por aquí, te encerraré con los otros asesinos en Blackgate. O quizá Arkham te vaya mejor.
Punisher: ¿Sabes? Ese idiota de la risa y tu os mereceis el uno al otro (...). Odio Gotham...

Editorial: Comics Forum
PVP: 625 ptas.
Fecha: Enero 1995
Guión: Chuck Dixon
Dibujo: John Romita Jr.
Entintado: Klaus Janson

Ambos personajes tenían un origen bastante parecido: la familia de Frank Castle fue asesinada durante un tiroteo, mientras que la familia de Bruce Wayne moría a manos de un ladrón. Sus ganas de vengarse (o de justicia, a saber a estas alturas...) les llevaron a combatir el crimen. Ambos son temidos por los criminales, y ninguno de los dos tiene superpoderes. Pero aquí acaban las semejanzas. Batman detiene a sus enemigos o los encierra, Punisher los mata. Así que era inevitable que se "juntaran" en algún crossover entre editoriales...

El problema fue que cuando hicieron el crossover Batman no era Bruce Wayne sino un burdo imitador cuyo nombre no quiero recordar. Así que el primer cruce entre estos personajes, Batman/Punisher: Lake of Fire, no fue lo que tenía que haber sido. Por suerte el guionista Chuck Dixon, que por aquel entonces era uno de los mejores escritores de cómic de acción, decidió volverlos a juntar por primera vez. Y si hay que quitarse el sombrero ante un guión que parece muchas veces una película de acción (no de las de ahora, claro, sino de los gloriosos 80), tampoco se puede dejar de babear con algunas de las mejores páginas que ha dibujado el ya por aquel entonces consagrado John Romita Jr. con la inestimable ayuda de uno de sus mejores entintadores, si no el mejor, Klaus Janson.

El Punisher matando mafiosos en Gotham, los mafiosos intentando matar al Punisher, el Joker intentando matarlos a todos, Puzzle procurando que nadie le toque la cara, Batman en medio de todos a puñetazo limpio, el duelo entre Robin y Microchip... Lo único malo es que sean sólo 48 páginas.

Antológico final bajo la lluvia con un Dixon y un Romita Jr. en su mejor momento. Que tiempos aquellos en los que los héroes se pegaban entre ellos sólo porque se caían mal y no por no se qué historia de registrarse...

Grupo Salvaje

2007-07-05T02:48:00.000+02:00

Thornton: Dígame, señor Harrigan. ¿Cómo se siente al cobrar por ello? ¿Cobrar por sentarse y alquilar a unos asesinos, amparado por la ley? ¿Cómo se siente al tener la maldita razón?
Harrigan: Bien
Thornton: ¡Sucio hijo de perra!
Harrigan: Tiene treinta días para coger a Pike, o treinta días para volver a Yuma. Usted es ahora mi Judas, señor Thornton. Los quiero a todos aquí, sin vida sobre una silla de montar...

Título original: The Wild Bunch

Director: Sam Peckinpah
Actores: William Holden, Ernest Borgnine, Robert Ryan, Edmond O'Brien, Warren Oates, Jaime Sánchez
Año: 1969
Duración: 145 minutos (aproximadamente)
Trailer: http://trailers.warnerbros.com/web/play.jsp?trailer=wild_bunch_trailer

Asesinos, ladrones, perdedores... todos buenos calificativos para la banda de delincuentes que encabeza Pike Bishop, un puñado de inadaptados que deben pasar la frontera hacia México debido a la creciente presión de la compañía ferroviaria... Una violenta y dura historia que, sin embargo, consigue que el espectador simpatice con los protagonistas sin dejar de mostrárnoslos como mala gente.

Para muchos (entre los que me incluyo) es la mejor obra de Sam Peckinpah. Consiguió transmitir tantas sensaciones en esta película que el estallido de violencia final es recordado como un momento realmente poético. Nada más empezar, nos muestra el lado más despreciable de los protagonistas para que lo olvidemos durante el resto de la película, pero recordándonos al final de lo que son capaces de hacer...

Dirigida de forma brillante y apoyada por un reparto espectacular (destacaría, si acaso, al gran Ernest Borgnine), la sucesión de diálogos llenos de matices filosóficos y acción pura nos van sumergiendo en el pasado y presente del grupo salvaje, preparándonos sin que nos demos cuenta para el glorioso final. Aunque tenga momentos de humor, sobretodo en la parte de la película que intenta humanizar al grupo, toda la historia rebosa de la melancolía y la amargura que tan bien usó Peckinpah en el resto de sus films, lo que ayuda a aceptar el final como el único posible (y magistral).

Por supuesto, no es una película sólo para amantes del western. Es la triste historia de unos hombres incapaces de cambiar con el tiempo, que se extinguen por no saber (o no querer) evolucionar. También hay tiroteos y caballos, e incluso un asalto a un tren, pero no es un western. Es un interesante drama que merece ser escuchado. Y Peckinpah un gran director (y alcohólico) al que se le debería agradecer obras maestras como ésta.

Bullseye: Grandes Éxitos

2007-07-03T01:49:00.000+02:00

Bullseye: ...En vez de lavabo tengo un agujerito en el suelo, lo que sería un problema si no fuera porque me mantienen con una dieta líquida... y muchos laxantes. Tienen miedo de que tenga un sólo movimiento intestinal sólido y pueda matar a alguien con él. Y lo haría... aunque sólo fuera para poder decir que lo he hecho. Yo soy así.

Editorial: Panini Comics
PVP: 10,5 €
Fecha: Noviembre 2006
Guión: Daniel Way
Dibujo: Steve Dillon
Entintado: Varios

Si alguien espera de este cómic bonitas fábulas a lo Sandman o complejas historias trascendentales como las de Alan Moore, a parte de estar un poco desorientado le recomendaría que buscase en otra parte... En este tomo sólo encontrará cachondeo, humor negro y Bullseye, nada más.

La historia arranca con un Bullseye (el archienemigo de Daredevil) encerrado en una prisión de máxima seguridad y dos federales que van a interrogarle para que les diga dónde escondió un par de cabezas nucleares. Con esta sencilla premisa nos lanzan a un breve repaso por la vida del temible asesino, desde su infancia hasta la actualidad. El guionista Daniel Way nos recuerda al Grath Ennis más cachondo, con un humor negro y sobradas a la altura de sus primeros números en Punisher, mientras que el dibujante Steve Dillon nos da nuevas muestras de su excelente trabajo: gestos, muecas, miradas...

Los recuerdos de Bullseye nos devuelven momentos clásicos como la muerte de Elektra o su obsesión con Daredevil, pero desde el enfermo punto de vista del protagonista, y nos trae episodios inéditos como su primer asesinato o su primer encuentro con El Castigador (preludio a la aún inédita Bullseye/Punisher...), mientras que las conversaciones entre sus carceleros y él van acercando al lector hacia el previsible (aunque con alguna sorpresa que otra) final.

Y éste es uno de los aciertos de este cómic: todo es previsible, sabes exactamente quién va a morir y que Bullseye escapará al final, pero no puedes evitar reirte con las historias que cuenta Bullseye o su menosprecio por el resto de seres humanos. Un cómic para entretener y pasar el rato, que no pasará a la historia como una obra maestra pero permanecerá en el recuerdo de los que lo lean por su simpatía y cachondeo. Eso sí, que los incondicionales del personaje no esperen una carnicería detrás de otra porque tiene un ritmo más pausado, recordad que está encerrado a lo Hannibal Lecter, y las escenas de acción corresponden a sus recuerdos. A mi me ha dejado impaciente por ver el Bullseye vs Punisher, con el mismo equipo creativo...

Toro Salvaje

2007-06-29T13:15:00.000+02:00

Jake La Motta: Eras tú, Charley. Tú eras mi hermano. Deberías haber cuidado de mí un poco. Deberías haberme cuidado un poco en lugar de hacerme buscar el dinero rápido. Tú no lo entiendes. Podría haber sido un contrincante. Podría haber sido alguien en lugar de un holgazán, que es lo que soy. Vamos a afrontarlo. Fuiste tú, Charley. Fuiste tú, Charley..."

Título original: Raging Bull
Director: Martin Scorsese
Actores: Robert DeNiro, Joe Pesci, Cathy Moriarty
Año: 1980
Duración: 123 minutos (aproximadamente)
Trailer: http://mymovies.net/player/default.asp?filmid=2501&url=/film/fid2501/trailers/trid918/wm/high.asx

Intensa biografía del boxeador Jake La Motta, presentada por el dúo mágico de Martin Scorsese y Robert DeNiro (cuando aún desprendían magia, claro). La película muestra una caída en picado de un hombre violento e incontrolable que hace lo que puede por triunfar y, a la vez, dañarse a sí mismo.

En un delicado momento de su vida Scorsese decidió rodarla en blanco y negro, lo que acabó aportando más dramatismo y solemnidad a la obra. Con unos combates de boxeo de una crudeza y realidad nunca vistos antes en una pantalla de cine, sin olvidar que fue realizada gracias al espectacular éxito de Rocky, la violencia desplegada por La Motta en el ring no cesaba cuando se quitaba los guantes...

Pero no son los combates ni el triste drama que era la vida de La Motta ni la dirección de Scorsese lo más destacable del film, sino la interpretación de Robert DeNiro que le valió un Oscar (por aquellos días un Oscar aún significaba algo). Nariz rota, musculatura, gestos rudos, engordar 60 libras... Todo lo que hizo falta lo hizo DeNiro, demostrando la pasión que sentía por la película (fue de los que más le insistió a Scorsese para que la rodara).

También es meritoria la labor de los secundarios, encabezados por Joe Pesci y Cathy Moriarty, con los que el espectador puede sentir el hecho de que todo el que estuviera cerca de La Motta acababa sufriendo como si el hombre nunca supiese cómo bajarse del ring...

La historia de un perdedor condenado a caer por su propia mano, muy bien dirigida e interpretada por un director y un actor en estado de gracia.

Doom Patrol

2007-06-28T14:05:00.001+02:00

Cliff: No sé qué decir. Todo esto me parece una locura.
Caulder: Creía que te gustaban las locuras. Me dijiste que así mantienes la mente ocupada.
Cliff: No, no me quejo. Pero a veces me gustaría evitar un atraco a un banco o capturar a una mente criminal. Ya sabes, como los supertipos normales...
Caulder: ¡Tonterías, Cliff! Es esencial que dejemos tareas tan pusilánimes a los cretinos musculosos que disfrutan con ellas. Nuestro trabajo es importante.

Editorial: Planeta DeAgostini
PVP: 3,5 € cada uno.
Guión: Grant Morrison
Dibujo: Richard Case
Entintado: Varios

Finaliza este mes (en su número 20) la recopilación mensual de la Patrulla Condenada guionizada por Grant Morrison. No hay ninguna saga en concreto o número determinado en el que centrarse porque toda la obra es rara como ella sola. Desde los rallantes Hombres-Tijera hasta el extraño Hacedor de Velas, pasando por el inconmensurable Mr. Nadie o el ridículo pero poderoso Yankie Doodle, todos los números forman un viaje hacia ninguna parte. Un correcto Richard Case hace lo que puede por reflejar en las páginas los guiones paridos por la mente enferma del señor Morrison. Y menudos guiones...

La lucha de unos inadaptados contra la irracionalidad que intenta acabar con el mundo es una de las experiencias más fascinantes que he tenido el placer de leer. Cuando finaliza una saga acabas más mareado y desorientado que al final de una noche donde la absenta ha hecho estragos en tus neuronas, pero con la extraña sensación de que lo que te han contado tiene sentido, aunque no acabes de entenderlo. Es ese raro sentimiento lo que me fascina de estos cómics, lo que los separa de una fantasmada sin sentido (aunque muchos opinen que no es más que eso, una fantasmada sin sentido).

No se si es mi mente enferma o el exceso de alcohol en sangre, pero los personajes que están medio cómic diciendo cosas sin sentido se convierten, tras una segunda (o tercera) lectura , en auténticos profetas de pensamiento alternativo e ideología New Age. Y las aventuras bizarras en las que se meten los protagonistas, capaces de hacer enloquecer al más lúcido de ellos, se convierten en asombrosas realidades que nadie puede demostrar que no existan... Aunque tampoco se limitan estos cómics a mostrar tesis filosóficas ni psicoanálisis profundos, si hay que darse de ostias contra arquetipos del ser humano o manifestaciones físicas de los miedos más profundos del subconsciente, ahí van Robotman, Rebis y Crazy Jane para reventarlos. En definitiva, algo que nunca había visto en un cómic y que me temo no volveré a ver.

Posiblemente el trabajo más personal de Grant Morrison. Lo mejor es leerse los tres o cuatro primeros números y ver si te gusta o no (más que nada porque las cosas alcanzan niveles de delirio aún peores en cuanto se avanza en la numeración...). Es una de esas pocas obras en las que de verdad se puede aplicar eso de "puede gustarte o no, pero seguro que no te deja indiferente". A mi me gustó, sí, y no me dejó nada indiferente. Si pensabas que los números de Morrison de New X-Men eran raros, es porque no has visto lo que hizo con La Patrulla Condenada...

Psicosis

2007-06-28T13:06:00.000+02:00

Norman: Bueno, es algo más que un pasatiempo. Un pasatiempo es matar el tiempo sin llenarlo.
Marion: ¿Y el suyo está vacío?
Norman: Verá, llevo los libros, cuido las habitaciones, la casa. Bueno, solo hago lo que mi madre me permite.
Marion: ¿No tiene usted amigos?
Norman: El mejor amigo para un muchacho es su madre. ¿ Usted no ha tenido un momento vacío en toda su vida?

Título original: Psycho

Director: Alfred Hitchcock
Actores: Anthony Perkins, Vera Miles, John Gavin, Martin Balsam, John McIntire, Janet Leigh
Año: 1960
Duración: 104 minutos (aproximadamente)
Trailer: http://www.movie-list.com/p/psycho1960.html

Espectacular muestra de la maestría de Alfred Hitchcock para enredar al pobre espectador. Rodada en glorioso blanco y negro, los primeros momentos de la película nos muestran el crimen que comete una persona normal y corriente, Marion Crane, para acabar con el misterio y la intriga que se inicia cuando la pobre mujer se para en el motel regentado por Norman Bates...

Como le gusta a Hitchcock: un comienzo tranquilo y pausado para acabar dando un vertiginoso giro de 180º y dejar al público sentado en la butaca. Llena de escenas ya míticas en la historia del cine (el apuñalamiento en la ducha, las zancadas de la madre con el cuchillo en la mano, los planos de la tenebrosa casa con la luz de la habitación encendida o el mismísimo final...) y con un tema demasiado explotado en la actualidad (el de psicópata bastante demente), le entran ganas a uno de poder viajar en el tiempo para ver la reacción de la gente inocente que fue en 1960 a ver esta película; hoy en día estamos insensibilizados por culpa de Freddys, Jasons, Myers o Saws, pero en 1960 nadie estaba preparado para la familia Bates...

Fue una de esas ocasiones en que se juntó todo: Hitchcock con ganas de asustar, una música inquietante (el propio Hitchcock decía que no sería lo mismo sin esa banda sonora), un Anthony Perkins actuando de manera soberbia (papel que marcaría el resto de su carrera, por cierto) y un público que ignoraba lo que iba a pasar...

Es una de esas películas que hay que ver, y además de verdad...

The Authority

2007-06-28T04:55:00.000+02:00

Swift: ¿A cuánta gente crees que matamos?

Hawksmoor: ¿Cuánta gente habría muerto si no hubiésemos estado aquí? No es una gran respuesta, lo sé, pero es la mejor que tenemos. Hemos salvado más gente de la que hemos matado.

Editorial: Norma Cómics
PVP: 26 €
Fecha: Julio del 2006
Guión: Warren Ellis
Dibujo: Bryan Hitch
Entintado: Paul Neary

Muy buena (y oportuna, ya que Norma se quedó sin la mayoría de colecciones de DC) recopilación de los primeros 12 números de una colección que significa el primer soplo de aire fresco en el cómic de superhéroes después de muchos años de copias baratas: The Authority. Con un Warren Ellis resuelto a contarnos una carnicería tras otra y un Bryan Hitch que empieza a desmarcarse de sus "influencias" de Alan Davis, los héroes de este grupo están decididos a cambiar las cosas de verdad, aunque eso signifique situarse sobre los gobiernos establecidos. Invasión tras invasión vemos los esfuerzos de The Authority para salvar el mundo (a pesar de sí mismo). Repleto de violencia y chistes fáciles, el señor Ellis no deja pasar la oportunidad de criticar lo que es políticamente correcto hoy en día de una forma brillante. Y tampoco hay que olvidar el buen hacer de Bryan Hitch, que para muchos llega a superar a Alan Davis en estas páginas, con devastaciones a gran escala y unos enfoques cinematográficos espectaculares pero que a la vez permiten seguir la acción sin ninguna clase de distracción (a menos que te quedes contando los pedazos de Big Ben que salen volando o cosas así...).

Representa el cómic de superhéroes llevado al exceso: enfoque cinematográfico, exageraciones realizadas a propósito, destrucción masiva (de verdad) y espectacularidad por los cuatro costados. Resultó todo un éxito y una revolución (algunos lo comparan con el efecto que produjo en su tiempo Watchmen o el Dark Knight Returns) que no tardó mucho en ser copiada por títulos como Ultimates o (New) X-Men...

La edición de tapa dura se completa con unos cuantos bocetos e ilustraciones de Hitch y una breve biografía de sus autores. Si te perdiste la colección en grapa, no deberías dejar pasar esta oportunidad...